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fantasía manga terror

Kitaro

GeGeGe no Kitaro es un manga legendario, con el que muchas japoneses han crecido, y es una lectura sorprendente y amena.

Un autor peculiar

Shigeru Mizuki (nacido Shigeru Mura), nació en 1922 y creció en Sakaiminato, una pequeña ciudad costera. Allá tuvo una infancia feliz junto a su familia y a “Nonomba”, una anciana muy creyente en lo sobrenatural y que, según él recuerda, le explicó muchas historias de “yokai” – seres sobrenaturales japoneses-. Tras participar en la Segunda Guerra Mundial en la isla de Nueva Guinea y perder un brazo debido a una explosión, fue alternando varios trabajos hasta que consiguió convertirse en mangaka. En 1965 creó la que sería su primera gran obra, y por la que todos los japoneses lo recuerdan: GeGeGe no Kitaro.

La obra se podría resumir de la siguiente manera: Kitaro es un niño fantasma, el último de su especie, que se dedica a ayudar a las personas frente a los yokai (fantasmas o monstruos japoneses) más malvados. A Kitaro le acompaña un ojo con un diminuto cuerpo: su padre (sí, su padre es un ojo andante). A través de sus historias episódicas, conocemos un mundo sobrenatural no tan terrible como parece a primera vista. Y es que en general los yokai no tienen por qué ser malvados si no los molestas.

Abrazando la oscuridad

Si bien es una obra de corte infantil, con un desarrollo de personajes no excesivamente elaborado, la ambientación es realmente oscura. Entiendo que en la época los yokai eran bien conocidos del folklore japonés y no forzosamente relacionados con algo maligno, pero me imagino que el ambiente lúgubre del manga debía generar una gran impresión en los niños japoneses. Tanto, que me parece muy dificil imaginar cómo habría encajado esta obra en un contexto occidental en esa época.

De hecho, la primera historia contenida en el volumen, donde se explica de donde proviene Kitaro, es realmente dura y extraña, con imágenes bastante grotescas y en la que ya vemos que la interacción entre seres humanos y seres sobrenaturales es compleja. El tomo acaba con una historia muy entretenida y mucho más ligera (aunque haya fallecidos por doquier) que tiene mucho de simbólico: los monstruos occidentales clásicos (Drácula, el hombre lobo, Frankenstein y una bruja), se enfrentan a los yokai japoneses. Como es obvio, Kitaro será quien desequilibre la balanza a favor de los espíritus asiáticos, que expulsarán a los invasores.

Gegege no Kitaro interior

Kitaro es un homenaje a lo extraño

Por época, no se puede evitar comparar con las obras de Charles Addams, y se asemejan bastante sorprendentemente, aunque el tono de Kitaro es más extraño si cabe. Temas como la diversidad, el respeto por la naturaleza y la aceptación de lo aparentemente inexplicable inundan toda la obra. El mensaje, muy habitual en el país nipón, da relevancia e interés añadidos a una obra de estas características. El dibujo también resulta particularmente interesante, ya que Shigeru Mizuki , con mejores resultados incluso que Osamu Tezuka, experimenta con diversas técnicas diferentes que consiguen transmitir este ambiente tan particular que define a la obra.

En fin, un manga que a día de hoy, a pesar de los años, resulta entretenida sobretodo por su tono oscuro para una obra considerada infantil. La mezcla entre dibujo cartoon y unos ambientes tan detallados son un gran acierto de Shigeru Mizuki, que ha hecho crecer a Kitaro junto a muchas generaciones de japoneses.

Pros

  • Aproximación muy curiosa al mundo sobrenatural japonés para los más jóvenes
  • Su mensaje de aceptación por lo diferente y lo desconocido

Contras

  • Como toda obra de época, hay que aceptar una cierta inocencia en el argumento

Recomendado para:

Disfrutar con un terror foráneo apto para los más jóvenes.

Para leer si te ha gustado:

La familia Addams o su último producto audiovisual, Miércoles, de Netflix

Autores: Shigeru Mizuki

Editorial: Astiberri

Páginas: 224 (x tomo)

Precio: 18€

Edad recomendada: a partir de 9 años

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aventuras manga shonen

One Piece (3 en 1)

Siendo sinceros: alguna vez he visto un trozo suelto de este anime de One Piece por la tele. Y no entendí nada de nada. Así que al ver que empezaban a editarla en un formato bastante económico, no pude evitar echarle un tiento. ¿Qué se esconde detrás del buque pirata de estos coloridos personajes?

Unos piratas a la japonesa

En el mundo de One Piece, las grandes estrellas del pop son los piratas. No solo tienen navíos improbables, a cada cual más grande e irreal, si no que además los más poderosos tienen extraños poderes que adquieren al ingerir una fruta llamada Fruta del diablo.

En este contexto, la historia más conocida en este mundo es la del más grande pirata de todos los tiempos, Gold Roger, que justo antes de morir, animó a todos a buscar su valioso tesoro: el One Piece. Quien lo consiga será reconocido como el pirata más grande de todos los tiempos.

Esta historia obsesiona a Monkey D. Luffy, un niño con, seamos sinceros, no demasiadas luces, que vive en un pueblo donde se ha instalado provisionalmente la banda de Shanks el pelirrojo. Suerte tiene Luffy que son justamente de los pocos piratas amigables y muestran una paciencia infinita con él. Luffy es tan terco que acaba comiendo por error una fruta del Diablo que guardaba a buen recaudo la banda pirata, dándole el poder de ser de goma. Cuando Luffy sea mayor emprenderá su particular epopeya para conseguir una tripulación, un barco y finalmente ser el más grande de los piratas (sin preocuparse lo más mínimo en adquirir nociones de navegación).

One Piece 1 y 2 Edición 3 en 1 - ilustración a color

¡A por el One Piece toda vela!

Eiichiro Oda empezó con esta serie en las páginas de Shonen Jump hace 25 años. Fue un éxito instantáneo, y lleva muchos tiempo siendo un fenómeno. Es, entre otras cosas, una de las series más longevas del Manga y del Anime.

Como no podía ser de otro modo, muchos la comparan con Dragon Ball. Y es cierto que recuerda mucho en tono a las primeras aventuras de Son Goku, cuyo personaje era casi tan terco (y burro) como Luffy. Aunque el mundo de One Piece parece más acotado – de momento – al tema de la piratería estrambótica.

Si tengo que destacar algo es que es pura diversión para el lector al que va dirigido. Da la sensación que Oda se divierte tanto o más que un niño al diseñar los curiosos personajes que pueblan la obra. Esto da una sensación de frescura que se mantiene al menos en estos tres primeros volúmenes, que son puro divertimento juvenil: peleas imposibles, humor tontorrón y en general una exageración en todo su contenido. El mensaje es un canto a la amistad loable y atractivo para la juventud.

Un éxito global

La edición es todo un acierto. Aunque rehuyo de los tochales que no te permiten leer comodamente, a día de hoy, y tal como está el mercado, el precio por página es muy competitivo. Además al tratarse de una obra muy ligera, le va como anillo al dedo a la saga de piratas estrambóticos que es One Piece. Esperemos que mantengan precio, o, aún mejor, viendo las buenas ventas, lo reduzcan (soñar despierto es gratis).

Además, recientemente se ha hecho una adaptación en live action de Netflix, con la que era realmente pesimista, viendo por donde iban los tiros. Me parecía muy complicado acertar, sobre todo, en el tono de la serie, que creo que es su gran baza. Y la verdad es que tras verla tengo que aplaudir la adaptación. Consiguen mantener el carisma de esta saga de manera muy acertada. Y de verdad era realmente difícil trasladarla a algo «real», por que justamente la gracia está en lo irreal que parece todo. Tiene segunda temporada confirmada, así que miel sobre hojuelas para los fans de Luffy.

Por mi parte, me ha entretenido, sin más. Soy capaz de valorar sus aciertos, pero quizás ya me pilla mayor. Eso sí, si se lee junto a la família, se puede disfrutar de una lectura amena y un bastante alocada.

One Piece 1 y 2 Edición 3 en 1 - ilustración en blanco y negro

Pros

  • Oda consigue una obra fresca y divertida
  • Hasta el momento, es una obra auto-consciente, y abraza el surrealismo de muchas situaciones que plantea

Contras

  • Si no eres su público objetivo quizás que se te haga imposible entrar en el mundo de One Piece

Recomendado para:

Cualquier persona a partir de 9 años. Si se es capaz de disfrutar todavía de Dragon Ball, teniendo en cuenta hacia quién va dirigido, se es capaz de disfrutar de One Piece.

Para leer si te ha gustado:

Dragon Ball o Naruto.

Autores: Eiichiro Oda

Editorial: Planeta Cómic

Páginas: 592

Precio: 16,95€

Edad recomendada: a partir de 9 años

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ciencia ficción manga postapocalipsis

La leyenda de la madre Sarah

Katsuhiro Otomo se une al maestro Takumi Nagayasu para traernos La leyenda de la madre Sarah, una historia de ciencia ficción post-apocalíptica tan dramática como espectacular.

Apocalipsis imprevisible, ¿o no?

Tras un holocausto nuclear, los humanos se han visto obligados a huir de la Tierra y vivir en colonias que orbitan alrededor del planeta. Un científico propone una posible vía para mover el eje de rotación de la Tierra y reducir drásticamente el tiempo de recuperación del hábitat de nuestro planeta. La humanidad, que se ha tenido que unir para sobrevivir, poco a poco vuelve a actuar como siempre, y se generan dos facciones, a favor y en contra de la iniciativa. Es el origen de una guerra que seguirá años después en una Tierra desértica donde Sarah buscará desesperadamente a su familia. A través de ella conoceremos el destino de nuestro propio planeta y de la humanidad entera.

Muestras de página de La leyenda de la madre Sarah
Muestras de página de La leyenda de la madre Sarah

El guión es de Katsuhiro Otomo, creador del icono del manga y el anime, Akira. En él, trata una historia quizás menos compleja que su obra más conocida, pero mantiene un tono muy pesimista sobre nuestro futuro y deja patente la tendencia a la autodestrucción de la humanidad. Sin embargo, cuando mayor es el desespero, mayor es el coraje de sus héroes, que representan lo mejor de nosotros, con un mensaje claramente pacifista y ecologista. La historia empieza siguiendo una formula más bien episódica (Sarah llega a un poblado y se enfrenta a los problemas que allí se encuentra), pero rápidamente amplia su enfoque para explicarnos la gran historia de Sarah y de toda la humanidad, profundizando en la pútrida política del mundo en el que se desarrolla la historia. Y en cómo la ciencia puede ser la perdición y la salvación de la humanidad.

Im-presionante (léase en dos palabras)

El dibujo, a cargo de Takumi Nagayasu, con un estilo muy similar al de Otomo (de hecho, pensaba que era él quien dibujaba), es… APABULLANTE. Como muestra, alguna de las fotos del artículo. Grandes escenarios, maquinaria clásica y futurista, escenas de acción, de épica militar, de explosiones, de conversaciones intimistas, de miradas expresivas, de grandes reuniones parlamentarias. Todo está dibujado de forma muy precisa y espectacular. Se nota mucho trabajo en definir los trajes militares, las ciudades, las naves espaciales.

La guerra nuclear ha hecho mella en el mundo de la leyenda de la madre Sarah
La guerra nuclear ha hecho mella en el mundo de la leyenda de la madre Sarah

Lo más impresionante del trabajo de Nagayasu es lo siguiente: a diferencia de la mayoría de autores de manga, él hace todo el trabajo SOLO. No tiene ayudantes ni especialistas para edificios, medios de transporte, etc. Para cada obra, dedica al menos dos años en trabajar los diseños previos, y uno en hacer el story board. Si tenéis interés en cómo trabajo este maestro del manga, podéis acceder a la entrevista que le hace Naoki Urasawa en su programa . No tiene desperdicio.

Todo este trabajo hace de este cómic un claro candidato a ser trasladado a otro medio. Ya sea en formato serie o película, nada del guión ni de lo que podría considerarse pre-producción de un producto audiovisual está dejado al azar. La historia da para mucho, y, aunque no considero que sea una obra maestra, tendríamos un producto muy interesante de ciencia ficción post-apocalíptica, similar a lo visto en Mad Max o Terminator Salvation.

Pros

  • Obra dura pero muy entretenida, el incierto destino de sus protagonistas engancha.
  • El dibujo es maravilloso.

Contras

  • Quizás podría haberse sacado un poco más de jugo a la historia.

Recomendado para:

Cualquier adolescente o adulto al que le gusten las obras post-apocalípticas de supervivencia. Eso sí, tiene momentos realmente duros.

Para leer si te ha gustado:

Las películas de Mad Max de George Miller.

Autores: Katsuhiro Otomo y Takumi Nagayasu

Editorial: Norma Editorial (7 tomos en total)

Páginas: 224 por tomo

Precio: 12€ por tomo

Edad recomendada: a partir de 14 años

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manga

Planeta Manga

Será difícil entrar en detalles, ya que no soy un experto otaku, pero no puedo evitar reseñar un obra continua y coral, que, desgraciadamente, es única en nuestro país a día de hoy: hoy reseñamos la revista Planeta Manga.

Las revistas Manga

Como ya muchos saben, el manga en Japón se consume principalmente a través de las revistas, a veces llamadas revistas antológicas. Suelen ser de periodicidad semanal y en ellas se van sucediendo las principales obras manga, que la población japonesa devora con entusiasmo. Es tal el éxito que al menos diez de estas revistas sobrepasan el millón de ejemplares semanales, siendo Shonen Jump con 6 millones de media semanal la más popular.

Estas revistas son editadas en blanco y negro con un papel de baja calidad. Es tal el uso cotidiano de estas revistas, que, una vez leídas, no sé suelen guardar, como ocurre aquí con los periódicos. No es extraño ver a los numerosos salariman leerlas en el transporte público, ya que en Japón el manga es transversal, y no se considera solo lectura de jóvenes, como solía pasar por aquí. Las obras de mayor interés del lector se editan posteriormente en una edición propia de mayor calidad, denominadas Tankobon.

Planeta Manga detalles

Planeta Manga

Aunque no ha sido la primera en nuestro país, Planeta Manga ha conseguido replicar este formato de forma exitosa, consiguiendo mantenerse en el duro mercado de las revistas. La publicación da la oportunidad a jóvenes autores de publicar con el respaldo de una gran editorial. En Planeta Manga encontraréis historias de autores patrios con estilo manga, que van poco a poco desarrollando sus historias. Como en Japón, las más exitosas se verán editadas de forma independiente.

La revista replica de forma bastante exacta lo que son las revistas antológicas de manga. Tiene más de 300 páginas y tiene un precio bastante accesible (poco menos de 6 euros), muy alejado del precio por página habitual de los cómics y mangas en nuestro país. En ella podemos encontrar autores que seguro darán mucho que hablar en el futuro, por que de verdad que el nivel artístico en este país, por la razón que sea es muy, muy bueno. Aunque es obvio que las cifras de venta se alejan mucho de las del país nipón, teniendo en cuenta que la iniciativa lleva 17 números, parece que funciona.

Planeta Manga detalle

A mi parecer, Planeta ha dado un paso adelante en la edición española con esta revista. Aparte de ofrecer un escaparate a nuevos talentos, que tanta falta hace con el declive general de las revistas, puede tener una cartera de autores que son el futuro del manga y el cómic en nuestro país. Además, al facilitar el acceso a este tipo de producto a la población general con un precio adecuado, no deja de potenciar la llegada de nuevos lectores al mercado.

Pros

  • Conocer nuevos artistas patrios que son el futuro del manga hispano
  • El formato revista permite un precio accesible

Contras

  • Al ser una obra coral y mensual, no siempre se mantendrá el interés en todas las obras

Recomendado para:

Cualquier lector de manga habitual. También cualquier persona que quiera acercarse y probar un manga o un cómic por primera vez.

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aventuras ciencia ficción manga

Astroboy

Hace unos meses escribí sobre un maestro del Manga actual. Quizás esta nomenclatura resulta un poco osada frente al que ostenta el apodo de “Dios” del cómic japonés: Osamu Tezuka. Hoy reseñamos la que es quizás la más conocida de sus obras en occidente, Astroboy.

El primer anime de la historia

Astroboy nació en el año 1951 (ahí es nada), publicado en una revista de historietas Shonen Sunday. Durante 17 años se publicó en la revista, alcanzando la cifra de 23 tomos en total.
En el año 63 fue la primera serie regular de anime para televisión (en blanco y negro, claro).
Gracias a la exportación de esta adaptación animada, que millones de niños vieron durante años en cualquier parte del globo, Astroboy es de los primeros y más potentes personajes transmedia de la historia. Se siguieron haciendo más series (ya a color) y películas, algunas bastante recientes, aunque con peores resultados de audiencia.

Detalle de Astroboy de Osamu Tezuka

El dios del Manga

Entender la figura de Astroboy implica necesariamente entender al maestro Tezuka. Osamu nació en 1928, y como niño vivió lo que implicó la segunda guerra Mundial, que le marcaría desde entonces un marcado pacifista. Además, tal como él mismo explica en este mismo tomo, de pequeño se enamoró de las películas de animación norteamericanas, y es eso lo que le empujó a dibujar.

Astroboy es una obra inicial en una carrera que tocaría muchos géneros y públicos diferentes. El pequeño robot está claramente influenciado por Walt Disney, y se nota mucho. Hay que pensar que ya han pasado más de 70 años, y ciertas historias tienen un ritmo extraño y un dibujo poco definido.

Pero el dios de Manga tiene su apodo por algo y Astroboy tiene momentos en los que el dibujo se engrandece hasta ser realmente espectacular y en que las historias ganan muchas capas de profundidad. No soy un experto en teoría robótica, pero sin duda Asimov aprobaría mucho de lo que se expone en Astroboy sobre cómo debería ser las relaciones entre humanos y robots. La amistad, la ambición, los tejemanejes de los diversos poderes sociales, todo está allí de forma amena y accesible para un publico infantil. Por que sí, no deja ser una obra destinada a los más jóvenes, con un cierto toque naif potenciado por los años.

Detalle de Astroboy de Osamu Tezuka. Tezuka nos habla directamente

Finalmente, me encanta como antes de cada capítulo Tezuka rompe la cuarta pared, explicando anécdotas de su obra y vida, lo cual le añade un contexto muy interesante a cada historia.

Como todo es cíclico, es curioso destacar que una de las obras de Naoki Urasawa, Pluto, es un homenaje, o actualización, de una de las historias integradas en el primer volumen de Astroboy. Y es que Astroboy abrió camino a muchos otros autores y obras, y se convirtió en un referente igual a las obras de Disney que el joven Tezuka admiraba.

Pros

  • Las aventuras de Astroboy se disfrutan aún hoy en día
  • Pequeños detalles de la obra son sublimes para lectores interesados en el medio

Contras

  • Un pequeño periodo de adaptación puede resultar necesario para ajustar tus expectativas a una obra de hace más de 70 años

Recomendado para:

Teniendo en cuenta que es una obra marcadamente infantil, el “fondo” de Astroboy es una obra que aún hoy toca temas de actualidad y sigue siendo muy disfrutón para los más pequeños. En cuanto a la “forma”, es posible que acuse más el paso del tiempo, pero no es nada que un pequeño periodo de adaptación no pueda arreglar.

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manga suspense

Naoki Urasawa, el maestro del Manga

Un monstruo llamado Naoki Urasawa

No sé qué edad tendría cuando llegó a mis manos un archivo piratilla que contenía el primer capítulo de una serie anime que casi nadie conocía. No recuerdo si alguien me lo compartió o me lo recomendó, pero esos capítulos en japonés subtitulados por aficionados me engancharon irremediablemente. Es una de las mayores sagas de suspense que he visto. Monster, “Monsta” como se entendía en japonés, me hizo disfrutar y sufrir a partes iguales, y conocer otro tipo de manga y anime, uno más adulto y más elaborado, así como a un autor que desde entonces intento seguir: Naoki Urasawa.

El caso es que ya conocía una obra de este autor sin saberlo: Yawara!. Una serie que se suponía de chicas que tuvo mucho éxito en Japón. Aquí no fue menos cuando se emitió el anime basado en ella en TV3: Ginger, cinturó negre.

Naoki Urasawa: dibujar, dibujar sin descanso

Un Mangaka diferente

No me considero un gran lector de Manga. De hecho, aborrezco un poco los tropos de los géneros del Manga, ya sabéis, institutos, minifaldas, chicos tímidos como protagonistas que consiguen ser el más chulo del barrio y esas cosas. Tampoco me atrae de primeras los Mangas en los que todos los personajes se parezcan aparte de su peinado o ropa, ni la exageración emocional de la mayoría de sus personajes (ehem…) . Ni la violencia o el sexo gratuitos, para darse un aire más adulto o gamberro, pero sin un fondo que lo justifique. Si bien es cierto que todo ello, si la historia es interesante y está bien construida, importa poco.

Ahora bien, si hablamos de los maestros, la cosa cambia. Tezuka, Otomo o Masamune Shirow son autores que para mí siempre son interesantes, si no soberbios. Y, aunque reconozco que no estoy muy al día del Manga y puede que se me pase alguien que es la bomba, para mí, a día de hoy, nadie supera a Naoki Urazawa, quizás similar a lo que pasa con Hayao Mayazaki en el anime.

Sus tramas no se basan en un único concepto interesante que se va estirando como un chicle. Las tramas de Naoki Urasawa son complejas, sus historias son corales, con multitud de personajes secundarios que no se parecen ni física ni emocionalmente entre ellos. Los personajes son muy (pero que muy) humanos: las emociones que reflejan son creíbles y no suelen ser exageradas. Los guiones están muy bien escritos, los personajes son creíbles y su narrativa tiene una capacidad de retener la atención del lector que no he visto nunca. Y, si bien es cierto que tras tramas tan complicadas, llenas de subtramas y momentos realmente impactantes, a veces sus finales saben a poco, es el primer nombre que se me viene a la cabeza como ejemplo de autor de Manga actual.

Hay quién dirá que es el menos mangaka de los mangakas. Para mí es un error: el manga no deja de ser cómic, un medio comunicativo y artístico, y no tiene por qué parecerse a todos sus coetáneos para ser lo que es. Tiene todos los recursos narrativos del Manga, y los trata con respeto y cuidado, no como otros. Aunque supongo que es cuestión de opiniones.

Detalles de la guía oficial de Naoki Urasawa

El autor, por el propio autor

La cuestión es que buscando información para la clase de cómic sobre el proceso de creación, he encontrado esta pequeña joya. Es una serie documental apadrinada por el mismo Urasawa, dónde, capítulo a capítulo, vemos precisamente eso: el proceso de creación de un manga distinto. Y es en el capítulo 4o de la 3era temporada cuando aparece el genio. Solo decir que no he podido despegar la mirada de la pantalla viendo a un tipo que parece mucho más joven de lo que es, dibujar y comentar su trabajo. A mí me fascina.

También he leído una Guía oficial que básicamente es una larga entrevista con el autor. Ayuda a entender su cultura de trabajo, muy presente en el propio título de la obra: Dibujar, dibujar sin descanso. Sus orígenes, como diseña tramas y personajes, los tan criticados finales, todo está allí, es muy recomendable una vez eres un “Urasawaadicto”.

Aparte de la citada Monster, tiene obras como 20th Century Boys, Pluto o Billy Bat. Hasta donde he leído, se podrían denominar thrillers, mezclados a veces con algo ciencia ficción o fantasía (muy poco), y donde la infancia juega un papel determinante. La obra de Naoki Urasawa trata con sumo respeto a la humanidad: sus personajes suelen ser complejos y son capaces de transmitir mucho contenido en una sola mirada. Los personajes que no lo son justamente los que detonan la trama. Dadle una oportunidad, no os defraudará.

Pros

  • Sus mangas son adultos y no necesitan de excesos violentos ni sexo para ello.
  • La tramas son adictivas como pocas y los personajes son muy realistas.

Contras

  • Por poner uno, a veces el climax final no está a la altura de lo esperado.

Recomendado para

Naoki Urasawa es un autor que hay que conocer, sin duda no dejará indiferente. Es posible que los temas de sus thrillers no conecten contigo, pero sus personajes seguramente sí. Niños de 10-12 años pueden empezar a disfrutar sus obras sin mucho problema. Es un autor diferente, sobrio, elegante, que maneja los tempos a la perfección y con una sensibilidad impresionante. ¿Ha quedado claro que lo recomiendo?

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manga suspense

El Detective Conan: 60 años menos que la Fletcher

Las obras de suspense siempre han sido atractivas. Sherlock Holmes, las obras de Agatha Christie, Colombo, Se ha escrito un crimen, son solo ejemplos de cómo enganchan los casos misteriosos de asesinato, robo y en general todo lo más oscuro de la sociedad. El jugar al Cluedo, buscando resolver un enigma enrevesado nos ha enganchado siempre, independientemente de la edad.

En el lector joven si hay una obra histórica que destaca es la serie de novelas de Los Cinco. Este tipo de historias tiene además la ventaja de que se adapta muy bien a un formato episódico: un crimen es una historia. De entre todas ellas hoy reseñamos una que destaca en el Manga. Es una obra que todavía ven los jóvenes (aunque es ya longeva) y que retoma el hilo de todas las mencionadas: El Detective Conan.

Detalle de Detective Conan

Elemental, querido Conan

Gosho Aoyama ya tuvo un éxito bastante notable con el manga Yaiba. Era una especie de mezcla entre el primigenio Dragon Ball (la referencia es muy clara) y un manga spo-kon. Tras el manga, que duró cinco años, en 1994, Gosho creó su mayor éxito hasta la fecha. Es un manga que ha traspasado fronteras y que, aún hoy, goza de un gran reconocimiento: El Detective Conan.
Quizás a los de mi generación nos vino un poco tarde, pero no creo que El Detective Conan nos pueda parecer demasiado ajeno. Y es que toda una generación de niñas y niños han cubierto la necesidad de misterio con este personaje.

La sinopsis es bastante sencilla, un chico de instituto tiene una capacidad de deducción sin igual, y colabora con la policía en algunos casos. Su ambición no es otra que ser un nuevo Sherlock Holmes. Todo parece truncarse cuando, llevado por su impulsividad, se cruza con un organización criminal que, en lugar de matarlo, le da un tratamiento experimental que le transforma otra vez en niño. Adopta entonces el nombre del estimado autor de su ídolo y sigue con su vida resolviendo caso tras caso buscando desenmarañar la trama de la malvada organización.

Hay que dejar claro desde el principio que es una obra dirigida principalmente a público infantil o muy joven. Es muy tierno ver que algo que en principio es un problema muy real, como que te conviertan en niño dándote por muerto, aquí se asume como algo relativamente sencillo de sobrellevar. Aquí lo que interesan son los casos, que resuelve un niño de primero de primaria (con una mente de uno de 16, que tampoco va más allá). Contará con la ayuda de su amiga de la infancia y del padre de ésta, un detective bastante poco resolutivo. Además hay un científico que le proporcionará gadgets al mas puro estilo James Bond para compensar la diferencia física entre la mayoría de los malos y el propio detective.

Lo que trae la oscuridad

Los casos en sí tienen todo lo que tiene que tener este tipo de historias. Gustan también de mirar el abismo, de ver la oscuridad de frente. Y aquí, aunque el autor insinúa más que muestra, hay que decir que el autor no escatima. Solo decir que ya que en el primer capítulo hay una decapitación. Quizás en parte por ello, los casos generan interés y enganchan, aunque algunos son tan enrevesados que su resolución suele ser bastante inverosímil. Pero es algo que forma parte de este tipo de historias y se acepta como tal. Aoyama, además, domina la narración a la perfección. Tiene un estilo limpio y sencillo, aunque muy característico, que se adapta completamente a las necesidades de la obra y a su público.

La serie desde su estreno ha tenido un éxito descomunal: mas de 250 millones de copias se han vendido del Manga, y el anime es uno de los más largos de la historia. Además tiene una buena cantidad de películas (OVA). Este formato, como ya pasara con otras muchas series como Colombo, le va como anillo al dedo para los casos más elaborados y relevantes. Por ello tiene una buena cantidad de películas.

En resumen, El Detective Conan es una obra hecha para los lectores más jóvenes que les incitará a leer y les entretendrá de lo lindo. Que ya es mucho.

Pros

  • La brillante narración de la obra te mantiene enganchado
  • La aparente sencillez de la propuesta no engaña al lector

Contras

  • Tiene un objetivo claro, a partir de la adolescencia las historias parecerán bastante Naif.

Recomendado para:

Es una obra que no engaña, si todavía no has llegado a la adolescencia, te hará pasar un buen rato. Si sí, pues quizás también te guste, total, la Fletcher tenía tramas menos complejas que estas.

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ciencia ficción manga postapocalipsis

Kaiju nº8: limpiando el desastre…

Portada y detalle de un Kaiju presente en el Manga

Hoy nos lanzamos con otra recomendación de los alumnos, Kaiju nº8. Es un Manga rápido y divertido sobre un Japón que no para de tener ataques de estos seres gigantescos. Para hacerles frente, se crea una unidad militar que lleva años activa. Estos soldados están armados con armaduras especiales que les otorgan un porcentaje de poderes Kaiju. Nuestro protagonista, sin embargo, no forma parte de esta unidad de élite, si no que se dedica a limpiar los numerosos (y asquerosos) restos que esos bichos enormes dejan a su paso. Hasta que ocurre algo inesperado y junto, a un compañero suyo, se anima a volver a intentar entrar en los Escuadrones de Defensa.

La verdad es que es una lectura fresca y espectacular. El dibujo no es muy refinado, sobretodo con los personajes humanos, que tienen poca definición y son un punto estáticos, pero es lo suficientemente espectacular como para disfrutar de la experiencia. El diseño de los kaijus se distinguen de otras propuestas al parecerse más a humanos deformados que a animales o robots alienígenas, recordándome bastante a los de Attack on Titans.

Envejecer de golpe

Finalmente, lanzo un aviso a todos los padres y madres que nos atrevamos a leer este Manga. Como sabéis, los protagonistas suelen demostrar su fuerza de voluntad enfrentándose a una “tara” o defecto, aumentando así la epicidad de lo que consiguen a posteriori. Puede ser la clase social, una condición física (Hinata en Haikyû!), etc. En este caso es la edad la que juega un papel relevante en nuestro protagonista, ya que, si bien todos los demás personajes están en la flor de la vida, Kafka (bonito nombre, por cierto), tiene 32 añazos. Esto hace que todos se burlen de su edad y lo traten como un despojo… tal cual. Así que, si como yo, peinas canas, estás avisado, te puedes deprimir un poco leyendo un manga cuyo creador, por cierto, tiene 40 años.

En cuanto a la edición, Planeta se ha tomado en serio el tema de la promoción con Kaiju nº8, y el primer número se vende a unos muy ajustados 2,95€, lo cual demuestra por un lado su voluntad de enganchar a nuevos lectores y su confianza en el producto. Vuelve a ser difícil de entender cómo un número de grapa de cómic americano como, por ejemplo, BRZRKR (de la misma editorial) tenga un precio de 3,50€ con 32 páginas. Este Kaiju nº8 tiene un precio menor tiene 208 páginas, y los números siguientes menos de 8 euros.

A pesar de ser una serie muy reciente (el primer número salió en 2020), ha tenido un éxito espectacular, y tiene una premisa que puede dar mucho juego. De hecho, ya han avanzado que el anime viene en breves. Y no dudéis que volverá a ser un éxito.

Envejecer de golpe leyendo páginas de Kaiju nº8

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deportes manga

Haikyû!, un spo-kon de éxito (aunque no sabemos aún por qué)

Haikyu portada y detalle de diseño de personajes

Pues una de las recomendaciones era Haikyû! (Volleyball en japonés), que, como su nombre indica, es un manga deportivo al más clásico estilo spo-kon. Esta modalidad de Manga e caracteriza por tener como protagonista a un heroe que gracias a su determinación consigue ser el mejor. Hay muchos ejemplos de este tipo, los más conocidos aquí son seguramente Oliver y Benji (Captain Tsubasa) o Cinturón negro (Yawara!). En este caso se trata de un shonen, es decir, manga dirigido a los chicos. Y ha tenido un gran éxito internacional, con la serie acabada con un total de 45 volúmenes y un anime todavía en marcha. 

La verdad es que este primer número se me ha hecho un pelín duro de acabar. Soy consciente de que no soy el público objetivo, pero aún así me ha parecido un inicio de serie con personajes muy planos, con motivaciones muy básicas y sin ningún trasfondo aparte de lo que pasa en el volley. Entiendo que es el comienzo de la serie, aunque el autor muestra una cierta falta de experiencia, así que supongo que habrá que darle tiempo. El anime, por ejemplo, seguramente empieza de manera diferente. 

En cuanto al estilo, tiene un dibujo bastante clásico pero reconocible. Y como pasa en muchos Mangas, los personajes se parecen mucho entre sí y a veces los difenencian simplemente por el color del pelo. Como curiosidad, al principio usa unas viñetas extremadamente pequeñas, aunque da la sensación que lo van subsanando a medida que avanza la (poca) trama.

En resumen, Haikyû! es un manga muy “blanco”, a pesar de alguna palabrota, que transmite los clásicos valores de este estilo de publicación: la capacidad de sacrificio y el trabajo en equipo. A mí no me ha convencido, me parecían mucho más interesantes los dos ejemplos mencionados anteriormente (sobre todo Yawara!). Pero entiendo que la serie irá evolucionando, y es probable que se les dote de un mayor trasfondo más adelante.

Haikyu escena de acción y detalle de tamaño de viñeta