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Kitaro

GeGeGe no Kitaro es un manga legendario, con el que muchas japoneses han crecido, y es una lectura sorprendente y amena.

Un autor peculiar

Shigeru Mizuki (nacido Shigeru Mura), nació en 1922 y creció en Sakaiminato, una pequeña ciudad costera. Allá tuvo una infancia feliz junto a su familia y a “Nonomba”, una anciana muy creyente en lo sobrenatural y que, según él recuerda, le explicó muchas historias de “yokai” – seres sobrenaturales japoneses-. Tras participar en la Segunda Guerra Mundial en la isla de Nueva Guinea y perder un brazo debido a una explosión, fue alternando varios trabajos hasta que consiguió convertirse en mangaka. En 1965 creó la que sería su primera gran obra, y por la que todos los japoneses lo recuerdan: GeGeGe no Kitaro.

La obra se podría resumir de la siguiente manera: Kitaro es un niño fantasma, el último de su especie, que se dedica a ayudar a las personas frente a los yokai (fantasmas o monstruos japoneses) más malvados. A Kitaro le acompaña un ojo con un diminuto cuerpo: su padre (sí, su padre es un ojo andante). A través de sus historias episódicas, conocemos un mundo sobrenatural no tan terrible como parece a primera vista. Y es que en general los yokai no tienen por qué ser malvados si no los molestas.

Abrazando la oscuridad

Si bien es una obra de corte infantil, con un desarrollo de personajes no excesivamente elaborado, la ambientación es realmente oscura. Entiendo que en la época los yokai eran bien conocidos del folklore japonés y no forzosamente relacionados con algo maligno, pero me imagino que el ambiente lúgubre del manga debía generar una gran impresión en los niños japoneses. Tanto, que me parece muy dificil imaginar cómo habría encajado esta obra en un contexto occidental en esa época.

De hecho, la primera historia contenida en el volumen, donde se explica de donde proviene Kitaro, es realmente dura y extraña, con imágenes bastante grotescas y en la que ya vemos que la interacción entre seres humanos y seres sobrenaturales es compleja. El tomo acaba con una historia muy entretenida y mucho más ligera (aunque haya fallecidos por doquier) que tiene mucho de simbólico: los monstruos occidentales clásicos (Drácula, el hombre lobo, Frankenstein y una bruja), se enfrentan a los yokai japoneses. Como es obvio, Kitaro será quien desequilibre la balanza a favor de los espíritus asiáticos, que expulsarán a los invasores.

Gegege no Kitaro interior

Kitaro es un homenaje a lo extraño

Por época, no se puede evitar comparar con las obras de Charles Addams, y se asemejan bastante sorprendentemente, aunque el tono de Kitaro es más extraño si cabe. Temas como la diversidad, el respeto por la naturaleza y la aceptación de lo aparentemente inexplicable inundan toda la obra. El mensaje, muy habitual en el país nipón, da relevancia e interés añadidos a una obra de estas características. El dibujo también resulta particularmente interesante, ya que Shigeru Mizuki , con mejores resultados incluso que Osamu Tezuka, experimenta con diversas técnicas diferentes que consiguen transmitir este ambiente tan particular que define a la obra.

En fin, un manga que a día de hoy, a pesar de los años, resulta entretenida sobretodo por su tono oscuro para una obra considerada infantil. La mezcla entre dibujo cartoon y unos ambientes tan detallados son un gran acierto de Shigeru Mizuki, que ha hecho crecer a Kitaro junto a muchas generaciones de japoneses.

Pros

  • Aproximación muy curiosa al mundo sobrenatural japonés para los más jóvenes
  • Su mensaje de aceptación por lo diferente y lo desconocido

Contras

  • Como toda obra de época, hay que aceptar una cierta inocencia en el argumento

Recomendado para:

Disfrutar con un terror foráneo apto para los más jóvenes.

Para leer si te ha gustado:

La familia Addams o su último producto audiovisual, Miércoles, de Netflix

Autores: Shigeru Mizuki

Editorial: Astiberri

Páginas: 224 (x tomo)

Precio: 18€

Edad recomendada: a partir de 9 años

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americano aventuras fantasía

Head Lopper

Head Lopper es una historia de espada y brujería brutalmente divertida. Ni más ni menos.

De monstruo a monstruo, y tiro por que me toca…

En la isla de Barra, la vida nunca ha sido fácil. En los últimos tiempos, menos todavía. Los monstruos gigantes son cada vez más numerosos y diezman la población día sí, y día también. La viuda regente y su bébé emérito no consiguen frenar las incesantes bajas del ejército real. Los ánimos están por los suelo. Como último recurso, acuden a un mercenario, reputado por su diligencia al separar las cabezas de los cuerpos de sus enemigos: Norgal, el Cortacabezas. Pero el resolutivo antihéroe, además, tiene que vigilar lo que guarda en su propia bolsa. Y es que él sabe que encierra la única cosa que le pone de los nervios (y eso que los tiene de acero): la parlanchina cabeza de la peligrosa Agatha, la famosa Bruja Azul…
La misión del Cortacabezas acabará siendo mayor de lo esperado, y sus enemigos más terribles de lo que nunca pudo imaginar.

Sí, la historia de Head Lopper no es un alarde de originalidad, pero ni falta que hace, entrega lo que promete: epicidad y diversión por partes iguales. Y funciona como el tajo de su espada.

Batalla del cómic Head Lopper número 1

¡A cortar cabezas!

Andrew MacLean empezó a auto-publicar esta historia y parece que llegó en manos adecuadas. Image, tercera editorial americana después de Marvel y DC, empezó a publicar la serie en todo el país, creando una nueva franquicia y encumbrando a Maclean como uno de los autores más originales e interesantes del momento.

El dibujo de MacLean es estilizado, esquemático, se podría decir, pero no carente de densidad y complejidad. Su uso de las masas de negro están cerca del nivel de Mike Mignola, y es un plus para la agilidad de la lectura.. El diseño de personajes quizás no sea el más original, pero bajo el filtro del dibujante, adquieren un atractivo inusitado y diferente: generan interés y queremos saber más de ellos. Su narrativa hace que sea un cómic (o novela gráfica, como queráis), muy fácil de leer y muy espectacular, usando incluso recursos inusuales que, en otra obra, resultarían extrañas pero que aquí se aceptan como naturales.

Escena de acción del cómic Head Lopper número 1

¿Estilo retro-moderno? El caso es que es molón

Es un estilo moderno que a la vez tiene un tono retro de los ochenta o los noventa, muy deudor de los videojuegos, con colores planos y bastante saturados. Quizás esté loco, pero no puedo evitar pensar en cosas como los videojuegos Golden Axe, o el medio-metraje Kung Fury o las series Stranger Things y Cobra Kay. No sé muy bien qué me hace pensar en ello, ya que no creo que fuese un estilo que existiera entonces, pero tiene algo de eso… Por cierto, muchos notan referencias también a Hora de aventuras, serie que está en mi lista de deberes… (quizás un día…).

Todo ello hace de Head Lopper una obra fresca, dinámica y divertida, para jóvenes y mayores que busquen una fantasía más directa y agresiva que Bone que hayan disfrutado con Conan, Willow (la pelicula, no la serie), The Witcher o las batallas de Juego de Tronos.

PD: Por cierto, si os preguntáis qué es un lopper, es una podadora… ¿Se puede ser más directo que llamarse “Poda Cabezas”?

Pros

  • Divertido y molón, te va a gustar mogollón (sic)

Contras

  • No hay ninguno… ¿Quizás más profundidad en la historia? Quizás entonces no sería Head Lopper y sería otra cosa.

Recomendado para:

Cualquier adolescente o adulto que quiera disfrutar con aventuras de espada y brujería que modernizan lo mejor de la fantasía clásica.

Para leer si te ha gustado:

The Witcher de Andrzej Sapkowski y su adaptación televisiva en Netflix.

Autores: Andrew MacLean

Editorial: Norma Editorial

Páginas: 280

Precio: 23€

Edad recomendada: a partir de 12 años

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aventuras europeo fantasía

La Mazmorra, Zenith, primer volumen

La fantasía heroica de calidad siempre es divertimento. Acción, aventuras y monstruos no faltan en una parodia mucho más seria de lo que pueda parecer. ¿Qué tesoros insospechados encierra esta Mazmorra?

La ambición hecha proyecto

Lewis Trondheim era ya un autor con cierto renombre en la industria de la bande déssinée francobelga. Es un autor que empezó con un gran éxito, como es Lapinot, que le permitió incluso obtener el premio de mejor autor novel en el salón de Angoulême, el salón mas potente de la industria europea. Joann Sfar no tenía una obra relevante aún en su carrera, aunque ya tenía un bagaje importante en la creación de guiones. Con ganas de colaborar, ambos le embarcaron a la aventura de fantasía heroica La Mazmorra (Donjon).

Mostraron una ambición nunca vista hasta entonces. Decidieron no lanzar una, si no tres colecciones ambientadas en un mundo de fantasía común. No solo eso, si no que se plantearon que contendría 300 (¡trescientos!) álbumes. Estos álbumes estaban divididos en tres líneas temporales: pasado ( Amanecer ), presente ( Zenith ) y futuro ( Crepúsculo ). Eso, sin contar con una serie de spinoffs con colaboradores puntuales recopilados en la colección Monstruos. Os dejo Wikipedia para saber más, no tiene pérdida. A día de hoy, 53 álbumes se han publicado.

Este primer volumen nos presenta a Herbert, un pato con sangre noble, que trabaja como recadero en la mazmorra de Jacinto. Se verá obligado a hacerse pasar por guerrero para cumplir una misión que, indudablemente, le viene grande. Jacinto envía a Marvin, un saurio vegetariano que no puede hacer daño a quién le insulta, a vigilarlo. A través de sus aventuras, conoceremos los diversos habitantes de este curioso mundo y veremos que la gestión de una mazmorra no es tan fácil como parece.

Interior de la Mazmorra número uno

La Mazmorra esconde más de lo que parece

Planteada como una parodia de obras de fantasía y juegos de rol diversos, poco a poco ha ido avanzando hacia una obra interesante por sí sola, con sus propias reglas y la creación de un mundo mucho más extenso de lo que uno puede sospechar al leer el primer álbum publicado, Corazón de Pato.

Esta primera obra, que da inicio al recopilatorio, tiene un tono jocoso y amable. Juega con todos los tropos del género y genera una parodia divertida para todos los públicos. Pero, a medida que se suceden los álbumes, aunque no pierde diversión, el tono se ensombrece, llegando a mostrar escenas que incluso el dibujo de Trondheim no consigue suavizar. La escena de los trolls y los bebés me pareció particularmente aterradora. Las relaciones interpersonales, al principio muy tópicas, van ganando complejidad y se convierten en el motor fundamental de la obra.

En cuanto al dibujo, nos encontramos a dos autores bastante diferentes entre sí. Para empezar, un Lewis Trondheim que muestra un estilo despreocupado, casi esquemático, que ayuda a dar la impresión de obra ligera, engañando a propios y extraños. El choque entre dibujo y un guión cada vez más profundo me parece muy interesante y potencia la diversión. Por otro lado, tenemos a Boulet, con un dibujo mucho más convencional y realista, que sin duda es más acorde a unas tramas que van ganando sustancia, aunque pierde parte de la gracia inicial.

Obviamente, es imposible valorar una obra tan extensa y compleja con un solo recopilatorio. Pero viendo lo que me ha aportado, La Mazmorra es, cómo mínimo, una lectura lo suficientemente interesante y divertida como para recomendarla, en un estilo muy diferente al que hemos ya analizado en Bone.

Pros

  • Una parodia muy divertida de la heroic Fantasy
  • Las relaciones interpersonales entre los personajes, en un mundo tan loco como el planteado, sorprenden

Contras

  • Quizás el que sea una obra tan larga y con autores diversos acabe pasando factura al conjunto.

Recomendado para:

Cualquier persona a partir de 12 años al que le gusten las obras de fantasía heroica. Especialmente recomendado para quien haya jugado alguna partida de rol de Dragones y Mazmorras en su vida.

Para leer si te ha gustado:

Dungeons & Dragons, honor entre ladrones o Legend of Vox Machina.

Autores: Lewis Trondheim, Joan Sfarr, Boulet

Editorial: Norma Editorial

Páginas: 316

Precio: 35€

Edad recomendada: a partir de 12 años

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De Bone hasta los huesos

Bone es un clásico instantáneo. Es un cómic que aúna aventura, humor y fantasía.

Una fantástica aventura

Tres primos, Fone Bone, el avaricioso Phoney Bone y el tontorrón Smiley Bone han sido expulsados de Boneville y tras un largo viaje llegan a una aldea donde conocerán a la joven Thorn y a su abuela. Se verán envueltos en una aventura contra el señor de las Langostas para salvar a la aldea…

Su dibujo es deudor de la línea clara europea, limpio y preciosista, que contrasta con el diseño de los tres personajes Bone, mas propios de la animación. Según el propio Jeff Smith, el autor, “era un gran fan de Carl Barks y Pogo, así que lo lógico era hacer una mezcla de Walt Kelly y Moebius.”, lo cual define bastante bien el estilo gráfico de la obra.

Detalles del "cómo se hizo" de Bone

El mercado a merced de Bone

Jeff Smith era un animador de éxito cuando decidió embarcarse en la aventura de Bone. El cómic empezó siendo autoeditado a ritmo variable, a medida que iba adquiriendo lectores. Coincidió con un momento de efervescencia en el mercado del cómic americano. La pelea de los autores por retener los derechos de sus obras hizo que muchos salieran de las editoriales clásicas y se fuesen a editorial nuevas y pequeñas o incluso se autoeditaran. Fue un boom que permitió enriquecerse a algunos autores más allá de lo esperado y obligó al mercado editorial a adaptarse y darle un mayor peso a quien, en el fondo, generaba el negocio, los autores.

Obras de éxito en crítica (muchas) y algunas en ventas (menos), se sirvieron de librerías, distribuidoras, revistas y del boca oreja para llegar a muchos lectores que no habían tenido la oportunidad de leer nada similar hasta entonces.

Detalles del "cómo se hizo" de Bone

Un sabroso hueso

En ese contexto Bone fue un referente. Tenía y tiene una cualidad muy poco habitual: es un cómic para toda la familia. “Todos mis lectores piensan en Bone cuando quieren regalar a la novia su primer cómic”, diría incluso Jeff Smith. Tiene varios niveles de lectura según la edad del lector. En otras palabras, es una película de Pixar (de las buenas) en cómic.
De hecho, este aspecto ha hecho de Bone que navegue entre el cómic, la novela gráfica juvenil y los cuentos infantiles, por lo que editoriales que nunca habían editado cómics como tal, dieron el paso con esta historia.

Sin duda, la adaptación cinematográfica se está haciendo esperar, pero llegará mas pronto que tarde. Si mantiene la esencia del material original, seguro que será un éxito. De hecho, esta obra ha recibido numerosos premios Eisner y Harvey. Además, su recopilación en un solo tomo es considerada como una de las diez mejores novelas gráficas de todos los tiempos por la revista Time.

Pros:

Es un cómic disfrutable a cualquier edad
Tiene personajes divertidos y carismáticos
Es una aventura memorable en uno de los cómics más importantes de las últimas décadas

Contras:

Quizás es una obra un poco larga para un primer acercamiento al cómic: el integral es un “tocho” que cuesta 45 euros. (Aunque las bibliotecas son siempre una opción)

Recomendado para:

Su gran virtud, aparte de tener una buena historia, un gran dibujo y personajes carismáticos, es que es para todo el mundo, sin excepciones.

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Arzak el Vigilante

Hoy traigo a Arzak el Vigilante, obra póstuma de Moebius, uno de los grandes, si no el más grande, del cómic francés para adultos.

El Maestro

Jean Giraud, alias Moebius, es considerado el mejor ilustrador de la BD adulta de la historia. Su estilo trabajado y limpio a la vez, es muy reconocible, y sin embargo ha evolucionado a lo largo de su carrera.

Se le reconoce principalmente por ser uno de los fundadores de Les humanoïdes associés (Los humanoides asociados) que crearían la mítica revista Metal Hurlant (Heavy Metal). Aquí la imaginación de sus autores desplegó una variedad de historias nunca vistas hasta la fecha. La ciencia ficción se mezclaba con el western (cosa muy de moda ahora, por cierto), con unas historias crudas y existencialistas, a veces muy new age, a veces muy sombrías con violencia y cuerpos desnudos por doquier. No solo innovaron en el contenido, si no en el continente: eran unos grandiosos dibujantes capaces de crear mundos hasta la fecha imposibles de imaginar. Tomaron, en cierta forma, el relevo de Jack Kirby, actualizando algunos de sus conceptos y transgrediendo todo tipo de convencionalismo. Eran artistas sin el corsé habitual.

Detalle de Arzak el Vigilante

Moebius era, seguramente, el más talentoso y a la vez el más estructurado. De hecho, una de las grandes obras de este dibujante es Blueberry, del que hizo la friolera de 37 álbumes junto al guionista Jean-Michel Charlier, que nada tiene que ver con estas locuras de ciencia ficción. Tiene fama de ser uno de los mejores westerns de la historia, sobrio pero brillante.
A destacar también El Incal, que cubrió siete álbumes junto al best-seller Alejandro Jodorowsky.

Al final de su carrera ha hecho obras mas introspectivas como su Inside Moebius y esta inacabada Arzak el Vigilante.

Y de todo esto no me había leído nada, cero, niente. Sólo algunas de historias de Heavy Metal (y la película, claro). Una vergüenza. Hasta que he encontrado esta obra en la biblioteca. Así que empecemos a leer sus obras en el sentido inverso..

El Vigilante

Aquí Moebius recupera a un personaje que ya usó en la revista Heavy Metal y le da un mayor protagonismo. Es un llanero solitario, que a lomos de su extraño pelícano o pterodáctilo artificial, vigila las llanuras de un planeta desértico donde hay una guerra en ciernes. Los humanos han puesto precio a las cabezas de otra especie, y éstos no se van a quedar de brazos cruzados. Paralelamente, una nave humana se ve atacada por unos piratas espaciales. Este acto traerá consecuencias insospechadas.

Es claramente un álbum inicial, donde se ponen los mimbres de algo que desgraciadamente ya no veremos. Aunque se reconoce un simbiosis entre los más clásicos textos del western y la opera espacial. Se nota que domina estos géneros a la perfección. Una lástima.

Detalle de los Extras de Arzak el Vigilante

El estilo de Moebius es muy reconocible y no pocos lo han intentado imitar en mayor o menor medida. Tiene la cualidad de ser muy realista con una infinidad de detalles y al mismo tiempo ser muy limpio, pulcro, muy deudor de la línea clara. Pocos combinan bien ambas características y Moebius ha sido el mejor en eso. Esto le ayuda a crear escenarios y trajes creíbles y a la vez extravagantes. El mundo del cine se dio cuenta de ello y le contrató para hacer una infinidad de diseños de naves, trajes y personajes para el sector audiovisual, destacando su colaboración para películas tan aclamadas como Alien, Abyss, Tron, la fallida Dune de Jodorowsky, El Quinto Elemento, Willow o la película de serie B Masters del Universo de la Cannon.

Como curiosidad, esta edición de Arzak el Vigilante está agotada y se vende a precios absurdos por internet, hasta 254 euros en Amazon… Así que seguramente la única manera de disfrutarlo será a través de la biblioteca.

Pros

  • Disfrutar de un Moebius crepuscular pero con todo su talento intacto.
  • La fusión de géneros que recuerda a otras sagas todavía muy vivas.

Contra

  • La obra está inacabada, una verdadera lástima.

Recomendado para:

Cualquier lector a partir de 9-10 años. Es un lectura amena con un dibujo espectacular que tiene el problema de ser difícil de encontrar y estar inacabada. Solo podemos ya imaginar cómo pretendía Moebius acabar esta historia.