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Void Rivals

Portada de Void Rivals, de Robert Kirkman y Lorenzo de Felici
Portada de Void Rivals, de Robert Kirkman y Lorenzo de Felici

Robert Kirkman: un creador con instinto narrativo

Robert Kirkman es uno de los grandes nombres del cómic contemporáneo. Con obras tan influyentes como The Walking Dead o Invencible, ha demostrado un talento especial para crear historias que atrapan y evolucionan de forma coherente. Su nueva apuesta nos lleva a un terreno muy especial para quienes crecieron en los años 80 y 90: un universo compartido entre Transformers y G.I. Joe, dos franquicias clásicas de HASBRO.

Robert Kirkman y Lorenzo de Felici
Robert Kirkman y Lorenzo de Felici

El Universo Energon: diversión asegurada

Durante décadas, tanto Transformers como G.I. Joe han tenido juguetes, series de televisión, películas y cómics de calidad desigual. Con Kirkman al timón, estos mundos convergen en un universo compartido que ofrece lo que promete: acción, aventura y entretenimiento para lectores que buscan algo fresco y divertido.

El pilar de esta nueva etapa son tres series principales: Transformers, G.I. Joe y Void Rivals, la serie que abre el camino y de la que hablamos en esta reseña.

¿De qué trata Void Rivals?

La historia presenta a dos razas alienígenas en guerra desde tiempos inmemoriales. Un piloto de un bando y una guerrera del otro terminan varados en un planeta hostil. Para sobrevivir, deberán colaborar, a pesar de sus diferencias.

La premisa recuerda a Romeo y Julieta o a la película Enemigo mío, pero rápidamente se transforma en una space opera trepidante con personajes carismáticos y un universo en expansión. Además, la serie introduce guiños a Transformers sin impedir que cada título se disfrute de manera independiente.

Solila y Darak, los rivales de Voide
Solila y Darak, los rivales de Voide

Lo que la hace especial

  • Worldbuilding sólido: Kirkman construye civilizaciones creíbles y un universo que crece de forma orgánica.
  • Personajes memorables: incluso figuras secundarias logran despertar empatía (¡sí, hasta un guante logra caernos bien!).
  • Arte de Lorenzo De Felici: escenarios vastos, anatomías convincentes y un trazo limpio que sorprende por su claridad.

Por qué recomendamos Void Rivals en nuestras extraescolares

Más allá de la aventura, esta obra es un ejemplo magnífico para quienes están aprendiendo cómic y manga:

  • Enseña cómo crear universos complejos y coherentes.
  • Demuestra la importancia de desarrollar personajes con los que conectar.
  • Inspira en el dibujo de mundos fantásticos y en el uso inteligente del detalle y el contraste.
Eso es un robot o un juguete?
Eso es un robot o un juguete?

Recomendación para familias

Edad sugerida: adolescentes a partir de 12–13 años.
Accesibilidad: lectura independiente, no requiere conocer toda la saga.
Dónde encontrarlo: disponible en librerías especializadas y editoriales españolas.

👉 Si tu hijo o hija disfruta con la ciencia ficción, Void Rivals es una lectura perfecta para despertar la imaginación y entender cómo se construyen grandes historias.

Conclusión

Void Rivals es la muestra de que Kirkman sigue en plena forma. Una serie que mezcla aventuras espaciales, acción y personajes entrañables, todo acompañado del arte práctico pero espectacular de Lorenzo De Felici. Un cómic que engancha número a número y que recomendamos tanto a fans veteranos como a jóvenes creadores que quieran inspirarse.

👉 En nuestras extraescolares de cómic y manga, trabajamos muchas de las técnicas que vemos en obras como esta: creación de mundos, diseño de personajes y narrativa visual. Otro buen ejemplo, antecesora en muchas cosas de este Void Rivals, es la obra de Moebius. Aquí tienes una reseña de una de sus obras: Arzak el Vigilante.

Por el poder de Grayskull! – ai, no, ese no! –
Gi Joe, let’s go! Autobots, al ataque!

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ciencia ficción drama europeo slice of life

Lupus, de Frederik Peeters

Portada de Lupus, de Frederik Peeters
Portada de Lupus, de Frederik Peeters

Lupus, de Frederik Peeters, es un claro ejemplo para cualquiera que desconozca el medio de que el cómic puede tratar cualquier género o temática.

Lupus podría considerarse un relato de ciencia ficción más o menos clásico a primera vista. Pero Frederik Peeters nos narra una historia de amistad, amor y básicamente sobre lo que implica hacerse mayor. La despreocupación inherente de la juventud se pierde debido a los acontecimientos que depara la vida, y de poco o nada sirve intentar madurar antes de tiempo. Es un canto a vivir el momento, desmitificar la juventud y darle un sentido a la vejez.

Un autor TOP

En mi opinión, Frederik Peeters es de lo mejorcito que hay como dibujante y narrador actualmente en la escuela europea. Tiene un estilo de dibujo reconocible y a la vez muy adaptable, así como un diseño de personajes increíble. Toca todos los palos y tiene una producción asombrosa. Una de sus primeras obras, Píldoras azules, es una maravilla autobiográfica sobre su relación sentimental con una chica seropositiva, madre de un hijo con la misma enfermedad. Un cómic – o novela gráfica, como queráis – muy recomendable para cualquiera. Reconozco que este autor para mí es una debilidad, y lo comparo mucho con Naoki Urasawa, que también destaca por lo mismo: la versatilidad de personajes y la narración.

Lupus, de Frederik Peeters, detalle interior

Aunque en el caso de Lupus, la historia se desarrolla para mi gusto de forma excesivamente lenta y pausada. El autor siempre se ha sentido cómodo con las escenas reflexivas y contemplativas, pero quizás en este caso se ha pasado de frenada. Me da la sensación de que los cuatro tomos que compone la obra originalmente se podrían haber compactado en tres. ¿Injerencias editoriales? Es posible… De todas maneras, a quien le gusten este tipo de historias, donde es casi más importante lo que ocurre en la cabeza de los personajes que lo que ocurre fuera, disfrutará con Lupus.

“Con Lupus, Frederik Peeters no sólo ha consolidado la promesa que ya había anunciado en Píldoras azules, sino que además ha despuntado como uno de esos raros autores capaces de otorgar una impronta íntima, reflexiva y sumamente personal a sus trabajos de género, trascendiéndolos y enriqueciéndolos. ”

Óscar Palmer. Revista U

En cuanto al dibujo, Peeters está a su -gran- nivel. Durante la lectura del tomo se nota una leve evolución, sobretodo en el uso del sombreado, favoreciendo el entendimiento del trazo. También es cierto que durante la historia el entorno varía mucho, aunque principalmente de un entorno salvaje a uno más aséptico. Aunque creo que es algo más general. No hay que olvidar que, con Lupus, Peeters todavía no había acabado de pulir el estilo, ya de por sí muy depurado ya desde sus inicios.

Lupus, de Frederik Peeters, segundo detalle interior

Lupus no solo sorprende con su título

Aunque el entorno de ciencia ficción puede echar para atrás a más de uno o una, éste sólo sirve de herramienta argumental para trasladar a los personajes a situaciones que al autor le interesa que vivan. La huida hacia delante, los problemas que trae la convivencia, la soledad o el envejecimiento se tratan aquí con mimo y cuidado. Todo ello a través de unos personajes que son tan humanos que casi se vuelven tan realistas como, a veces, odiosos.

Tal como lo he entendido, el mensaje principal de la obra tiene que ver con que nada es inmutable, todo cambia, aunque a la vez puede hacerse largo y tedioso. La aceptación de la madurez y la mejor perspectiva que te aporta de lo que significa estar vivo: la importancia de las cosas es relativa según el punto de vista que se utilice.

“Personajes con densidad cobran vida gracias al trazo firme y la sugerente imaginería de Peeters. Una narrativa plagada de impresionantes encuadres, pinceladas minimalistas y líricos silencios cósmicos.”

Andrés S. Braun. El País

Pros

  • El trasfondo filosófico de la obra
  • El realismo de los personajes

Contras

  • El ritmo lento de algunos tramos

Recomendado para:

Cualquier persona que disfrute de las historias intimistas, estén enmarcadas en el género que sea.

Para leer si te ha gustado:

Me recuerda bastante al tono de Her, de Spike Jonze

Autores: Frederik Peeters

Editorial: Astiberri

Páginas: 384

Precio: 25€

Edad recomendada: a partir de 14 años

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ciencia ficción manga postapocalipsis

La leyenda de la madre Sarah

Leyenda de Madre Sarah Thumbnail
Leyenda de Madre Sarah Thumbnail

Katsuhiro Otomo se une al maestro Takumi Nagayasu para traernos La leyenda de la madre Sarah, una historia de ciencia ficción post-apocalíptica tan dramática como espectacular.

Apocalipsis imprevisible, ¿o no?

Tras un holocausto nuclear, los humanos se han visto obligados a huir de la Tierra y vivir en colonias que orbitan alrededor del planeta. Un científico propone una posible vía para mover el eje de rotación de la Tierra y reducir drásticamente el tiempo de recuperación del hábitat de nuestro planeta. La humanidad, que se ha tenido que unir para sobrevivir, poco a poco vuelve a actuar como siempre, y se generan dos facciones, a favor y en contra de la iniciativa. Es el origen de una guerra que seguirá años después en una Tierra desértica donde Sarah buscará desesperadamente a su familia. A través de ella conoceremos el destino de nuestro propio planeta y de la humanidad entera.

Muestras de página de La leyenda de la madre Sarah
Muestras de página de La leyenda de la madre Sarah

El guión es de Katsuhiro Otomo, creador del icono del manga y el anime, Akira. En él, trata una historia quizás menos compleja que su obra más conocida, pero mantiene un tono muy pesimista sobre nuestro futuro y deja patente la tendencia a la autodestrucción de la humanidad. Sin embargo, cuando mayor es el desespero, mayor es el coraje de sus héroes, que representan lo mejor de nosotros, con un mensaje claramente pacifista y ecologista. La historia empieza siguiendo una formula más bien episódica (Sarah llega a un poblado y se enfrenta a los problemas que allí se encuentra), pero rápidamente amplia su enfoque para explicarnos la gran historia de Sarah y de toda la humanidad, profundizando en la pútrida política del mundo en el que se desarrolla la historia. Y en cómo la ciencia puede ser la perdición y la salvación de la humanidad.

Im-presionante (léase en dos palabras)

El dibujo, a cargo de Takumi Nagayasu, con un estilo muy similar al de Otomo (de hecho, pensaba que era él quien dibujaba), es… APABULLANTE. Como muestra, alguna de las fotos del artículo. Grandes escenarios, maquinaria clásica y futurista, escenas de acción, de épica militar, de explosiones, de conversaciones intimistas, de miradas expresivas, de grandes reuniones parlamentarias. Todo está dibujado de forma muy precisa y espectacular. Se nota mucho trabajo en definir los trajes militares, las ciudades, las naves espaciales.

La guerra nuclear ha hecho mella en el mundo de la leyenda de la madre Sarah
La guerra nuclear ha hecho mella en el mundo de la leyenda de la madre Sarah

Lo más impresionante del trabajo de Nagayasu es lo siguiente: a diferencia de la mayoría de autores de manga, él hace todo el trabajo SOLO. No tiene ayudantes ni especialistas para edificios, medios de transporte, etc. Para cada obra, dedica al menos dos años en trabajar los diseños previos, y uno en hacer el story board. Si tenéis interés en cómo trabajo este maestro del manga, podéis acceder a la entrevista que le hace Naoki Urasawa en su programa . No tiene desperdicio.

Todo este trabajo hace de este cómic un claro candidato a ser trasladado a otro medio. Ya sea en formato serie o película, nada del guión ni de lo que podría considerarse pre-producción de un producto audiovisual está dejado al azar. La historia da para mucho, y, aunque no considero que sea una obra maestra, tendríamos un producto muy interesante de ciencia ficción post-apocalíptica, similar a lo visto en Mad Max o Terminator Salvation.

Pros

  • Obra dura pero muy entretenida, el incierto destino de sus protagonistas engancha.
  • El dibujo es maravilloso.

Contras

  • Quizás podría haberse sacado un poco más de jugo a la historia.

Recomendado para:

Cualquier adolescente o adulto al que le gusten las obras post-apocalípticas de supervivencia. Eso sí, tiene momentos realmente duros.

Para leer si te ha gustado:

Las películas de Mad Max de George Miller.

Autores: Katsuhiro Otomo y Takumi Nagayasu

Editorial: Norma Editorial (7 tomos en total)

Páginas: 224 por tomo

Precio: 12€ por tomo

Edad recomendada: a partir de 14 años

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aventuras ciencia ficción manga

Astroboy

Portada Astroboy
Portada Astroboy

Hace unos meses escribí sobre un maestro del Manga actual. Quizás esta nomenclatura resulta un poco osada frente al que ostenta el apodo de “Dios” del cómic japonés: Osamu Tezuka. Hoy reseñamos la que es quizás la más conocida de sus obras en occidente, Astroboy.

El primer anime de la historia

Astroboy nació en el año 1951 (ahí es nada), publicado en una revista de historietas Shonen Sunday. Durante 17 años se publicó en la revista, alcanzando la cifra de 23 tomos en total.
En el año 63 fue la primera serie regular de anime para televisión (en blanco y negro, claro).
Gracias a la exportación de esta adaptación animada, que millones de niños vieron durante años en cualquier parte del globo, Astroboy es de los primeros y más potentes personajes transmedia de la historia. Se siguieron haciendo más series (ya a color) y películas, algunas bastante recientes, aunque con peores resultados de audiencia.

Detalle de Astroboy de Osamu Tezuka

El dios del Manga

Entender la figura de Astroboy implica necesariamente entender al maestro Tezuka. Osamu nació en 1928, y como niño vivió lo que implicó la segunda guerra Mundial, que le marcaría desde entonces un marcado pacifista. Además, tal como él mismo explica en este mismo tomo, de pequeño se enamoró de las películas de animación norteamericanas, y es eso lo que le empujó a dibujar.

Astroboy es una obra inicial en una carrera que tocaría muchos géneros y públicos diferentes. El pequeño robot está claramente influenciado por Walt Disney, y se nota mucho. Hay que pensar que ya han pasado más de 70 años, y ciertas historias tienen un ritmo extraño y un dibujo poco definido.

Pero el dios de Manga tiene su apodo por algo y Astroboy tiene momentos en los que el dibujo se engrandece hasta ser realmente espectacular y en que las historias ganan muchas capas de profundidad. No soy un experto en teoría robótica, pero sin duda Asimov aprobaría mucho de lo que se expone en Astroboy sobre cómo debería ser las relaciones entre humanos y robots. La amistad, la ambición, los tejemanejes de los diversos poderes sociales, todo está allí de forma amena y accesible para un publico infantil. Por que sí, no deja ser una obra destinada a los más jóvenes, con un cierto toque naif potenciado por los años.

Detalle de Astroboy de Osamu Tezuka. Tezuka nos habla directamente

Finalmente, me encanta como antes de cada capítulo Tezuka rompe la cuarta pared, explicando anécdotas de su obra y vida, lo cual le añade un contexto muy interesante a cada historia.

Como todo es cíclico, es curioso destacar que una de las obras de Naoki Urasawa, Pluto, es un homenaje, o actualización, de una de las historias integradas en el primer volumen de Astroboy. Y es que Astroboy abrió camino a muchos otros autores y obras, y se convirtió en un referente igual a las obras de Disney que el joven Tezuka admiraba.

Pros

  • Las aventuras de Astroboy se disfrutan aún hoy en día
  • Pequeños detalles de la obra son sublimes para lectores interesados en el medio

Contras

  • Un pequeño periodo de adaptación puede resultar necesario para ajustar tus expectativas a una obra de hace más de 70 años

Recomendado para:

Teniendo en cuenta que es una obra marcadamente infantil, el “fondo” de Astroboy es una obra que aún hoy toca temas de actualidad y sigue siendo muy disfrutón para los más pequeños. En cuanto a la “forma”, es posible que acuse más el paso del tiempo, pero no es nada que un pequeño periodo de adaptación no pueda arreglar.

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Arzak el Vigilante

portada de Arzak El Vigilante
portada de Arzak El Vigilante

Hoy traigo a Arzak el Vigilante, obra póstuma de Moebius, uno de los grandes, si no el más grande, del cómic francés para adultos.

El Maestro

Jean Giraud, alias Moebius, es considerado el mejor ilustrador de la BD adulta de la historia. Su estilo trabajado y limpio a la vez, es muy reconocible, y sin embargo ha evolucionado a lo largo de su carrera.

Se le reconoce principalmente por ser uno de los fundadores de Les humanoïdes associés (Los humanoides asociados) que crearían la mítica revista Metal Hurlant (Heavy Metal). Aquí la imaginación de sus autores desplegó una variedad de historias nunca vistas hasta la fecha. La ciencia ficción se mezclaba con el western (cosa muy de moda ahora, por cierto), con unas historias crudas y existencialistas, a veces muy new age, a veces muy sombrías con violencia y cuerpos desnudos por doquier. No solo innovaron en el contenido, si no en el continente: eran unos grandiosos dibujantes capaces de crear mundos hasta la fecha imposibles de imaginar. Tomaron, en cierta forma, el relevo de Jack Kirby, actualizando algunos de sus conceptos y transgrediendo todo tipo de convencionalismo. Eran artistas sin el corsé habitual.

Detalle de Arzak el Vigilante

Moebius era, seguramente, el más talentoso y a la vez el más estructurado. De hecho, una de las grandes obras de este dibujante es Blueberry, del que hizo la friolera de 37 álbumes junto al guionista Jean-Michel Charlier, que nada tiene que ver con estas locuras de ciencia ficción. Tiene fama de ser uno de los mejores westerns de la historia, sobrio pero brillante.
A destacar también El Incal, que cubrió siete álbumes junto al best-seller Alejandro Jodorowsky.

Al final de su carrera ha hecho obras mas introspectivas como su Inside Moebius y esta inacabada Arzak el Vigilante.

Y de todo esto no me había leído nada, cero, niente. Sólo algunas de historias de Heavy Metal (y la película, claro). Una vergüenza. Hasta que he encontrado esta obra en la biblioteca. Así que empecemos a leer sus obras en el sentido inverso..

El Vigilante

Aquí Moebius recupera a un personaje que ya usó en la revista Heavy Metal y le da un mayor protagonismo. Es un llanero solitario, que a lomos de su extraño pelícano o pterodáctilo artificial, vigila las llanuras de un planeta desértico donde hay una guerra en ciernes. Los humanos han puesto precio a las cabezas de otra especie, y éstos no se van a quedar de brazos cruzados. Paralelamente, una nave humana se ve atacada por unos piratas espaciales. Este acto traerá consecuencias insospechadas.

Es claramente un álbum inicial, donde se ponen los mimbres de algo que desgraciadamente ya no veremos. Aunque se reconoce un simbiosis entre los más clásicos textos del western y la opera espacial. Se nota que domina estos géneros a la perfección. Una lástima.

Detalle de los Extras de Arzak el Vigilante

El estilo de Moebius es muy reconocible y no pocos lo han intentado imitar en mayor o menor medida. Tiene la cualidad de ser muy realista con una infinidad de detalles y al mismo tiempo ser muy limpio, pulcro, muy deudor de la línea clara. Pocos combinan bien ambas características y Moebius ha sido el mejor en eso. Esto le ayuda a crear escenarios y trajes creíbles y a la vez extravagantes. El mundo del cine se dio cuenta de ello y le contrató para hacer una infinidad de diseños de naves, trajes y personajes para el sector audiovisual, destacando su colaboración para películas tan aclamadas como Alien, Abyss, Tron, la fallida Dune de Jodorowsky, El Quinto Elemento, Willow o la película de serie B Masters del Universo de la Cannon.

Como curiosidad, esta edición de Arzak el Vigilante está agotada y se vende a precios absurdos por internet, hasta 254 euros en Amazon… Así que seguramente la única manera de disfrutarlo será a través de la biblioteca.

Pros

  • Disfrutar de un Moebius crepuscular pero con todo su talento intacto.
  • La fusión de géneros que recuerda a otras sagas todavía muy vivas.

Contra

  • La obra está inacabada, una verdadera lástima.

Recomendado para:

Cualquier lector a partir de 9-10 años. Es un lectura amena con un dibujo espectacular que tiene el problema de ser difícil de encontrar y estar inacabada. Solo podemos ya imaginar cómo pretendía Moebius acabar esta historia.

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Kaiju nº8: limpiando el desastre…

Kaiju nº8
Kaiju nº8
Portada y detalle de un Kaiju presente en el Manga

Hoy nos lanzamos con otra recomendación de los alumnos, Kaiju nº8. Es un Manga rápido y divertido sobre un Japón que no para de tener ataques de estos seres gigantescos. Para hacerles frente, se crea una unidad militar que lleva años activa. Estos soldados están armados con armaduras especiales que les otorgan un porcentaje de poderes Kaiju. Nuestro protagonista, sin embargo, no forma parte de esta unidad de élite, si no que se dedica a limpiar los numerosos (y asquerosos) restos que esos bichos enormes dejan a su paso. Hasta que ocurre algo inesperado y junto, a un compañero suyo, se anima a volver a intentar entrar en los Escuadrones de Defensa.

La verdad es que es una lectura fresca y espectacular. El dibujo no es muy refinado, sobretodo con los personajes humanos, que tienen poca definición y son un punto estáticos, pero es lo suficientemente espectacular como para disfrutar de la experiencia. El diseño de los kaijus se distinguen de otras propuestas al parecerse más a humanos deformados que a animales o robots alienígenas, recordándome bastante a los de Attack on Titans.

Envejecer de golpe

Finalmente, lanzo un aviso a todos los padres y madres que nos atrevamos a leer este Manga. Como sabéis, los protagonistas suelen demostrar su fuerza de voluntad enfrentándose a una “tara” o defecto, aumentando así la epicidad de lo que consiguen a posteriori. Puede ser la clase social, una condición física (Hinata en Haikyû!), etc. En este caso es la edad la que juega un papel relevante en nuestro protagonista, ya que, si bien todos los demás personajes están en la flor de la vida, Kafka (bonito nombre, por cierto), tiene 32 añazos. Esto hace que todos se burlen de su edad y lo traten como un despojo… tal cual. Así que, si como yo, peinas canas, estás avisado, te puedes deprimir un poco leyendo un manga cuyo creador, por cierto, tiene 40 años.

En cuanto a la edición, Planeta se ha tomado en serio el tema de la promoción con Kaiju nº8, y el primer número se vende a unos muy ajustados 2,95€, lo cual demuestra por un lado su voluntad de enganchar a nuevos lectores y su confianza en el producto. Vuelve a ser difícil de entender cómo un número de grapa de cómic americano como, por ejemplo, BRZRKR (de la misma editorial) tenga un precio de 3,50€ con 32 páginas. Este Kaiju nº8 tiene un precio menor tiene 208 páginas, y los números siguientes menos de 8 euros.

A pesar de ser una serie muy reciente (el primer número salió en 2020), ha tenido un éxito espectacular, y tiene una premisa que puede dar mucho juego. De hecho, ya han avanzado que el anime viene en breves. Y no dudéis que volverá a ser un éxito.

Envejecer de golpe leyendo páginas de Kaiju nº8