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Void Rivals

Portada de Void Rivals, de Robert Kirkman y Lorenzo de Felici
Portada de Void Rivals, de Robert Kirkman y Lorenzo de Felici

Robert Kirkman: un creador con instinto narrativo

Robert Kirkman es uno de los grandes nombres del cómic contemporáneo. Con obras tan influyentes como The Walking Dead o Invencible, ha demostrado un talento especial para crear historias que atrapan y evolucionan de forma coherente. Su nueva apuesta nos lleva a un terreno muy especial para quienes crecieron en los años 80 y 90: un universo compartido entre Transformers y G.I. Joe, dos franquicias clásicas de HASBRO.

Robert Kirkman y Lorenzo de Felici
Robert Kirkman y Lorenzo de Felici

El Universo Energon: diversión asegurada

Durante décadas, tanto Transformers como G.I. Joe han tenido juguetes, series de televisión, películas y cómics de calidad desigual. Con Kirkman al timón, estos mundos convergen en un universo compartido que ofrece lo que promete: acción, aventura y entretenimiento para lectores que buscan algo fresco y divertido.

El pilar de esta nueva etapa son tres series principales: Transformers, G.I. Joe y Void Rivals, la serie que abre el camino y de la que hablamos en esta reseña.

¿De qué trata Void Rivals?

La historia presenta a dos razas alienígenas en guerra desde tiempos inmemoriales. Un piloto de un bando y una guerrera del otro terminan varados en un planeta hostil. Para sobrevivir, deberán colaborar, a pesar de sus diferencias.

La premisa recuerda a Romeo y Julieta o a la película Enemigo mío, pero rápidamente se transforma en una space opera trepidante con personajes carismáticos y un universo en expansión. Además, la serie introduce guiños a Transformers sin impedir que cada título se disfrute de manera independiente.

Solila y Darak, los rivales de Voide
Solila y Darak, los rivales de Voide

Lo que la hace especial

  • Worldbuilding sólido: Kirkman construye civilizaciones creíbles y un universo que crece de forma orgánica.
  • Personajes memorables: incluso figuras secundarias logran despertar empatía (¡sí, hasta un guante logra caernos bien!).
  • Arte de Lorenzo De Felici: escenarios vastos, anatomías convincentes y un trazo limpio que sorprende por su claridad.

Por qué recomendamos Void Rivals en nuestras extraescolares

Más allá de la aventura, esta obra es un ejemplo magnífico para quienes están aprendiendo cómic y manga:

  • Enseña cómo crear universos complejos y coherentes.
  • Demuestra la importancia de desarrollar personajes con los que conectar.
  • Inspira en el dibujo de mundos fantásticos y en el uso inteligente del detalle y el contraste.
Eso es un robot o un juguete?
Eso es un robot o un juguete?

Recomendación para familias

Edad sugerida: adolescentes a partir de 12–13 años.
Accesibilidad: lectura independiente, no requiere conocer toda la saga.
Dónde encontrarlo: disponible en librerías especializadas y editoriales españolas.

👉 Si tu hijo o hija disfruta con la ciencia ficción, Void Rivals es una lectura perfecta para despertar la imaginación y entender cómo se construyen grandes historias.

Conclusión

Void Rivals es la muestra de que Kirkman sigue en plena forma. Una serie que mezcla aventuras espaciales, acción y personajes entrañables, todo acompañado del arte práctico pero espectacular de Lorenzo De Felici. Un cómic que engancha número a número y que recomendamos tanto a fans veteranos como a jóvenes creadores que quieran inspirarse.

👉 En nuestras extraescolares de cómic y manga, trabajamos muchas de las técnicas que vemos en obras como esta: creación de mundos, diseño de personajes y narrativa visual. Otro buen ejemplo, antecesora en muchas cosas de este Void Rivals, es la obra de Moebius. Aquí tienes una reseña de una de sus obras: Arzak el Vigilante.

Por el poder de Grayskull! – ai, no, ese no! –
Gi Joe, let’s go! Autobots, al ataque!

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informativo

Una mirada a los orígenes de la historieta

Origen de los cómics: Hokkusai
Origen de los cómics: Hokkusai

El cómic, una forma universal de contar historias

Cuando hablamos de cómic o historieta, solemos pensar en personajes modernos como Mortadelo, Batman o Dragon Ball. Sin embargo, si nos ceñimos a la definición más aceptada —“serie o secuencia de viñetas que cuenta una historia”—, descubrimos que existen obras muy anteriores al siglo XX que cumplen con esta descripción.

Al fin y al cabo, una viñeta no deja de ser una ilustración que forma parte de una secuencia, con o sin marco, con o sin texto.

Origen de los cómics: The Yellow Kid, tira de 1899
The Yellow Kid, tira de 1898

The Yellow Kid y el nacimiento del cómic moderno

Durante años se consideró que el primer cómic fue The Yellow Kid, publicado en la prensa estadounidense en 1895. Su innovación estuvo en integrar los diálogos en el dibujo, ya que el protagonista “hablaba” a través de textos en su ropa.

Pero, ¿es este realmente el primer cómic? No necesariamente. El cómic no siempre necesita texto ni bocadillos para existir. Lo esencial es la secuencia de imágenes que transmite una historia.

Origen de los cómics: el tapiz de Bayeux
El tapiz de Bayeux: 70 metros de narración gráfica.

Historias en imágenes: mucho antes de 1895

La narración mediante imágenes es tan antigua como la humanidad:

  • Pinturas rupestres que relataban cacerías.
  • Jeroglíficos egipcios o pictogramas usados para comunicar ideas.
  • Vidrieras de catedrales medievales, que enseñaban episodios religiosos a quienes no sabían leer.

Más adelante, encontramos ejemplos claros en el arte japonés de Hokusai o en los relatos ilustrados de Rodolphe Töpffer en Suiza.

Un caso especialmente interesante es el tapiz de Bayeux (siglo XI). Con casi 70 metros de largo, bordado con escenas e inscripciones en latín, narra la conquista normanda de Inglaterra como una auténtica historieta medieval.

Origen de los cómics: pinturas rupestres
Pinturas rupestres representando la caza de búfalos en el Sáhara.

El cómic como lenguaje artístico

El cómic ha ido evolucionando como cualquier otra forma de arte, incorporando códigos como los bocadillos o las onomatopeyas. Sin embargo, estos elementos no son imprescindibles: son convenciones compartidas que facilitan la narración, y que a veces se rompen para innovar —como hacen artistas contemporáneos tipo Banksy.

Un ejemplo divertido de este poder narrativo aparece en la película Ice Age, cuando Sid el perezoso interpreta pinturas rupestres como si fueran una secuencia animada que explica la tragedia del mamut Manny.

¿Por qué es importante para nuestros alumnos?

En nuestras extraescolares de cómic y Manga mostramos a los alumnos que este medio no es algo menor ni exclusivamente infantil:

  • Es un lenguaje universal, comprensible más allá del idioma.
  • Permite aprender a narrar visualmente con recursos simples pero potentes.
  • Conecta con la historia del arte y la comunicación humana.

Al fin y al cabo, el cómic no es una moda reciente: es una expresión inherente a la humanidad, la forma más sencilla y poderosa de transmitir ideas, emociones y conocimientos a través de imágenes.

👉 En conclusión: más que preguntarnos cuál fue “el primer cómic de la historia”, lo que descubrimos es que contar historias con imágenes nos ha acompañado siempre. Y aprender este lenguaje ayuda a los jóvenes a desarrollar creatividad, observación y capacidad narrativa.

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Brubaker & Phillips: dos maestros del cómic noir que merece la pena descubrir

Mis héroes siempre han sido
Mis héroes siempre han sido

En el mundo del cómic hay parejas creativas que marcan época, y Ed Brubaker junto a Sean Phillips es una de ellas. Llevan más de 20 años publicando historias que han recibido premios internacionales y el reconocimiento de la crítica. Su estilo es inconfundible en el mundo del cómic: relatos de corte noir, protagonizados por ladrones, gánsteres y personajes al límite, siempre con un enfoque adulto y cercano al cine de Scorsese o series como The Wire.

El dibujo de Phillips resulta muy reconocible por su estilo realista, casi fotográfico, y por el uso expresivo del blanco y negro. Es capaz de transmitir tanto la crudeza de la vida en los márgenes como la elegancia propia del mejor thriller.

No es sorprendente que Prime Video tenga en preparación una serie sobre Criminal, su obra más reconocida.

Ed Brubaker y Sean Phillips
Ed Brubaker y Sean Phillips

Mis héroes siempre han sido yonquis: más allá de un título llamativo

La obra que reseñamos hoy gira en torno a una protagonista ingresada en un centro de desintoxicación, que idealiza la figura del artista yonqui y vive allí un romance complicado. Aunque la trama es sencilla y accesible, en este caso los personajes resultan menos atractivos que en otras historias del dúo, lo que puede hacer que algunos lectores no se sientan identificados.

El dibujo también se percibe menos pulido de lo habitual, con un trazo más brusco que deja entrever demasiado el trabajo fotográfico de base que suele usar Sean Phillips. Aun así, sigue siendo un cómic de calidad notable, fácil de leer por su brevedad y con un precio accesible.

Viñeta de Mis héroes siempre han sido yonkis
Fumar mentolados suena a gloria si estás en un centro de desintoxicación… por cierto, el bueno de Sean se usa a sí mismo como modelo algunas veces.

¿Por qué lo recomiendo en un taller de cómic (para adultos)?

Más allá de si esta obra concreta convence más o menos, Brubaker y Phillips son un referente imprescindible para quienes quieran aprender narrativa gráfica. Sus cómics muestran cómo:
– Se construye una atmósfera y un tono coherente.
– El dibujo refuerza el estado emocional de los personajes.
– Trabaja con referencias fotográficas y las integra a la perfección.
– Se pueden contar historias autoconclusivas con gran impacto.

Por eso, si tenéis curiosidad por su trabajo, os animo a empezar por Criminal, una serie de relatos independientes ambientados en un mundo realista y duro. Es un material que suele encontrarse en bibliotecas y resulta ideal para jóvenes y adultos que quieran acercarse al cómic desde otra perspectiva.

Lectura, aprendizaje y creatividad

En nuestras actividades extraescolares de cómic y manga, animamos a los alumnos a descubrir obras variadas que enriquezcan su mirada. Aunque es una obra para adultos, puede ser muy interesante observar algunas viñetas de referencia de Brubaker y Phillips. Un cómic no solo es una buena historia, sino también aprender recursos narrativos que luego se pueden aplicar en sus propios proyectos. Con una mancha negra bien situada, por ejemplo, se puede explicar más que con un dibujo muy detallado.

👉 Recomendación para familias: aunque estemos hablado de una obra para adultos, si vuestro hijo o hija está interesado en la narración visual, seguro que disfrutarán de una historia de suspense y aprenderan con esta lectura: Detective conan

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Akira Toriyama

Akira Toriyama retrato
Akira Toriyama retrato

Hablar de Akira Toriyama y lo que ha supuesto para un montón de generaciones, sobre todo gracias a Dragon Ball, sería un poco ridículo a estas alturas. La semana pasada no pude contenerme e hicimos un pequeño tributo a su figura, leyendo Dr. Slump en clase y dibujando una pequeña selección de algunos de sus personajes más divertidos de dibujar.

Personajes de Akira Toriyama

Cuando dibujo, siempre recuerdo mi forma de pensar cuando era niño.

Akira Toriyama


Adjunto la ficha de dibujo para que podáis probar de dibujarlos vosotros mismos. ¡Adelante!

Dossier_ToriyamaDescarga
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europeo histórico slice of life

Kinderland, de Mawil

Portada de Kinderland, de Mawil
Portada del cómic Kinderland, de Mawil

Este año un amigo invisible que sospecho que vive en Berlín me ha traído una curiosidad con viñetas y bocadillos, (¡Ostras! los elementos compartidos por una novela gráfica y un cómic… guiño, guiño). En fin que tengo en mi estantería Kinderland, de Mawil, un cómic alemán en su edición francesa (el alemán lo llevo regular…). ¿Mi amigo invisible habrá acertado?

Una infancia en la RDA

Kinderland relata cómo se desarrollaba la infancia en el lado socialista alemán poco antes de la caída del muro. Su protagonista, Mirco, tiene todos los elementos que hacen de él fácilmente abusable… es pequeñín, lleva gafas y, por qué no decirlo, es bastante miedica. Pero se hará amigo de un chico nuevo de la otra clase con muy mala reputación. Juntos se aficionarán al Ping pong, convirtiéndose en los mejores jugadores de este deporte de la escuela. Crecerá entonces la ambición de crear un torneo estudiantil de Ping pong…

Mawil retrata muy bien a los personajes, tomándose su tiempo en mostrarnos sus motivaciones, dudas y preocupaciones. El ritmo de lectura es lento, pero constante, con una sorprendente agilidad a la hora de mostrar los partidos de Ping pong, llegando a alcanzar altas cotas de epicidad. Su estilo de dibujo, cercano al cartoon, hace que todo sea muy dinámico, con un diseño de personajes que los define muy bien.

Páginas del cómic Kinderland, de Mawil
Torsten es menos fiero de lo que parece…

La importancia del punto de vista

Una de las cosas que me parecen muy interesantes es que Kinderland traslada a la perfección el punto de vista de los niños. Los problemas inherentes a la situación política del momento sólo se perciben de soslayo y parece que solo preocupan a los adultos. Los niños están acostumbrados, no conocen otra cosa y lo aceptan todo tal como viene. Me parece muy realista y un acierto que así sea. Les importa su día a día, los amigos de la escuela o el Ping pong.

«Para cualquiera que quiera entender cómo era la vida en la Alemania Oriental comunista, Kinderland de Mawil es una lectura obligada.»

Michael Pilz, Die Welt

Es cierto que la tensión inherente entre los adultos y los niños se ve reforzada por la situación que vivían en la época, pero el motivo de las discusiones pueden ser perfectamente replicables hoy en día aquí mismo. En el fondo, aunque esté ambientada en un momento especialmente convulso, la mayor parte de esta historia podría estar ambientada en cualquier sitio y cualquier momento.

En resumen, un cómic y un autor que desconocía completamente, al cual se le nota mucho oficio y narrativamente tiene mucho nivel. Seguiré con interés lo que haga. Me ha sorprendido no verla editada aquí, y más teniendo en cuenta que se editan muchas obras que ni mucho menos alcanzan este nivel. A ver si alguna editorial se anima. Ah… ¡y qué bien tener amigos invisibles que me conocen tan bien! 🙂

Páginas del cómic Kinderland, de Mawil
El Ping pong nunca fue tan épico.

«Mawil recaptura brillantemente la experiencia mundana y trascendental de crecer detrás del Muro de Berlín. Contada a través de su visión infantil pero con su sensible percepción adulta, Kinderland es su obra maestra.»

Paul Gravett

Pros

  • Los niños están tratados con mucho cariño.
  • El dinamismo de las escenas de Ping pong.

Contras

  • El ritmo es en general pausado y tranquilo, si no te gustan este tipo de obras puede ser que no entres en su juego.

Recomendado para:

Amantes de las historias “slice of life” con un contexto histórico. De todas maneras es una obra apreciable que una vez leída dejará un buen regusto a casi todos.

Para leer si te ha gustado:

Goodbye Lenin de Wolfgang Becker

Autores: Mawil

Editorial: Gallimard en su edición francesa

Páginas: 292

Precio: No quiero saberlo… 😉

Edad recomendada: a partir de 12 años

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americano drama suspense

Cruel Summer

Cruel Summer Criminal Comic Thumbnail
Cruel Summer, cómic de Ed Brubaker y Sean Phillips

Para la ultima lectura comiquera del 2023 no he tomado riesgos. Cruel Summer es una obra de Ed Brubaker y Sean Phillips, una apuesta segura (ojo, nada que ver con el single de Taylor Swift)

Un spinoff Criminal

Para quién no conozca la obra de Ed Brubaker y Sean Phillips, sólo decir que llevan más de 15 años trabajando juntos, creando una obra muy consistente que ha ganado ya 4 premios Eisner y numerosas nominaciones. Si te gustan las historias de ladrones de poca monta, de detectives y de todo lo que huela a género negro, sin duda sus obras te gustarán. No creo que muchos hayan sido más constantes ni generado tanta obra de calidad en este género en los últimos veinte años, sea en cine, series o literatura.

En el caso que nos ocupa, Cruel Summer es ideal para tener una muestra de lo que pueden hacer estos autores juntos. Aunque esté ambientado en el entorno de Criminal, es un spinoff que funciona perfectamente como obra unitaria.

Viñetas de Cruel Summer, cómic de Ed Brubaker y Sean Phillips
Ed Brubaker juega de forma sutil al apelar a iconos como la «femme fatale» conocidos por los lectores.

Llamarse Lawless marca…

La sinopsis de la obra reza lo siguiente:
“Una saga derivada de los acontecimientos de Criminal. En el verano de 1988, Teeg Lawless vuelve a casa para planear el mayor golpe de su carrera. Pero Ricky, el hijo de Teeg, y los amigos de éste están empezando a recorrer el mismo sendero oscuro por el que antes caminó su padre, y éste va a convertirse en el peor verano de sus vidas. Relato épico de una tragedia que se pasa de generación en generación, Cruel Summer es una obra maestra a cargo de los más celebrados autores noir de la industria.”

Ed Brubaker define sus obras como un tapiz de personajes. Y me parece una visión acertada, pues el protagonismo suele estar muy bien repartido. Aquí, un delincuente reincidente y su hijo, una chica sin demasiados escrúpulos y un metódico detective, entre otros, tejen una historia sólida, llena de ilusiones y decepciones. Un aviso: el optimismo no suele formar parte de sus tramas. Los protagonistas suelen ser perdedores sin demasiada posibilidad de redención. Aún así sufres por ellos, los personajes están muy bien construidos y su fatalidad siempre tiene su razón de ser.

Por el lado del arte, Sean Phillips parece hecho para las historias que propone Ed Brubaker. Su dibujo es preciso y realista, sin duda usando referencias fotográficas, pero de una manera muy sutil y práctica. Usa las masas de negros de manera modélica potenciando una gran narrativa, y transmite a toda la obra un aire cinematográfico que le va como anillo al dedo al mundo de Criminal. Además, el color de su hijo aumenta la expresividad de un arte, ya de por si, perfecto.

Ah, por cierto, una adaptación ya está confirmada por parte de Amazon Prime. Si está mínimamente bien llevada, sin duda la serie será interesante, las bases son buenas.

Viñetas de Cruel Summer, cómic de Ed Brubaker y Sean Phillips
Sean Phillips retrata los bajos fondos como nadie.

Su construcción de personajes marginales con historias que no suelen acabar bien resulta tan atractiva como las que en su día hicieron Otto Preminger, Howard Hawks, John Houston, Orson Wells, Raymond Chandler, Hammet o James Ellroy.

Roberto Hernández, Director MeriStation y Subdirector de As

Pros

  • Un guión donde todo está atado y bien atado
  • Un arte inmejorable para este tipo de obras

Contras

  • Que en ciertos entornos este tipo de historias no esten demasiado alejados de la realidad

Recomendado para:

Todo aquel que disfrute de las buenas historias de género negro. Esas protagonizadas por personajes que sobreviven a pesar de vivir marcados por la fatalidad y de tramas bien narradas e hiladas con mucha tensión y suspense.

Para leer si te ha gustado:

Si te gusta Breaking Bad, te gustará cualquier esto. 100% asegurado.

Autores: Ed Brubaker y Sean Phillips


Editorial: Panini

Páginas: 288

Precio: 30€

Edad recomendada: a partir de 16 años

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nacional slice of life Uncategorized

Baños Pleamar

Baños Pleamar
Baños Pleamar

Baños Pleamar relata la infancia de Isaac Sánchez durante una época concreta, los años 90, cuando sus padres regentaban un restaurante playero – o chiringuito – en la costa de Badalona.

Introducción de Baños Pleamar

Autobiografía con mucho cariño

El género autobiográfico es muy habitual en el cómic (o novela gráfica, como queráis), sobretodo en el cómic underground americano (Sonríe, por ejemplo) y en el francobelga. El mercado español (si se le puede llamar así) no es una excepción.

Aunque soy coetáneo de Isaac, no recuerdo ser consciente de la historia introductoria de su Baños Pleamar: la costa de Badalona estaba tan contaminada que estaba prohibido el baño. Por ello, los restaurantes de playa solían tener unas piscinas para contentar a la población que quería darse un chapuzón. De ahí el nombre de “Baños”.

No contaré mucho más del argumento de la obra. Se compone de pequeñas historias con un hilo conductor, donde el restaurante se convierte casi en el personaje más importante de la narración. Es una obra que desprende mucho cariño por las personas que salen en ella. Consigue preocuparnos por el destino de sus protagonistas y es todo un homenaje a la figura del padre de Isaac.

Aunque Baños Pleamar no es el primer cómic de Isaac Sánchez, si fue el más personal. Esta novela gráfica ha sido uno de los cómics más celebrados del año 2022, y su éxito ha sido tal que hay una adaptación cinematográfica en marcha.

“La parte de verdad y de mentira que pueda haber en Baños Pleamar es indiferente porque lo que se siente al leerlo es real.”

Alain Villacorta, Es la Hora de las Tortas

No es Loulogio, es Isaac Sanchez

Recuerdo reírme a carcajadas frente a la pantalla del ordenador junto a amigos viendo unos anuncios de teletienda con diálogos y comentarios bastante verdes de un youtuber (cuando creo que ni el término existía) llamado Loulogio. Reconozco no haber seguido la trayectoria de ese divertido chaval, pero se hizo comediante profesional y no me extraña: gracia tenía mucha.

Accedí a la obra sin tener consciencia de que Isaac Sánchez es Loulogio, o Loulogio es Isaac Sánchez, como queráis. Y esto me ha hecho ver la obra desde otra perspectiva, y entendiendo mejor si cabe de donde viene la chispa de este chico que, sin duda, no se esperaba hacer carrera en el humor y sí en el cómic. Ahora él mismo dice que ha cumplido un sueño. Un sueño del que ahora puede vivir, y que explica en su siguiente cómic, el reciente “El de la batamanta”.

Un cómic para todos los públicos

El dibujo de Isaac es muy práctico, es agradable a la vista y no necesita de mayores alardes para transmitir lo más importante de la obra: el amor hacia el núcleo familiar. A ello se le une un gran uso de la acuarela, que potencia al conjunto.

Es curiosa la decisión de convertir en monstruos (vampiros, hombres-rata, etc.) a la gente a la que Isaac no quiere dar un protagonismo que no se merecen. Así separa a los personajes positivos de la narración de los que no lo son. Es un recurso formal muy inteligente que recuerda al lector que no estamos ante una recreación de la realidad, si no de una visión completamente subjetiva de ella (recurso que en Maus abarca toda la obra).

Además, para mí, es todo un acierto separar las tramas con fotos reales de la época. Así vemos a las personas reales que Isaac representa, y potencia los lazos que puedes crear con ellos.

“Isaac Sánchez le da a la obra un toque de realismo mágico que la aleja un tanto de esos otros cómics de carácter más documental y nos recuerda que estamos viendo la vida de los miembros de su familia a través de los ojos del niño que fue.”

Diego García Rouco, Zona Negativa

Para concluir, la resolución de la trama y el epílogo fotográfico acumulan la mayor carga emocional. Isaac no se posiciona a favor o en contra de las decisiones de los personajes principales dejando que sea el lector que decida. El autor intenta quedarse solo con lo importante, la felicidad vivida junto a su familia.

Pros

  • Un “slice of life” muy agradable y nostálgico
  • Los personajes a los que les coges cariño al instante

Contras

  • No es un dramón, pero alguna lagrimilla sí que puede que caiga

Recomendado para:

Aunque es una obra muy accesible para todo tipo de público, creo que está especialmente recomendado para los que nacieron entre los 70 y los 80, ya que la nostalgia sin duda hará su efecto.

Para leer si te ha gustado:

Los Fabelman (Steven Spielberg), cambiando EEUU por Badalona y el Cine por el Cómic. XD

Autores: Isaac Sánchez

Editorial: Dolmen

Páginas: 224

Precio: 24,90€

Edad recomendada: a partir de 9 años

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fantasía manga terror

Kitaro

Gegege no Kitaro portada
Gegege no Kitaro portada

GeGeGe no Kitaro es un manga legendario, con el que muchas japoneses han crecido, y es una lectura sorprendente y amena.

Un autor peculiar

Shigeru Mizuki (nacido Shigeru Mura), nació en 1922 y creció en Sakaiminato, una pequeña ciudad costera. Allá tuvo una infancia feliz junto a su familia y a “Nonomba”, una anciana muy creyente en lo sobrenatural y que, según él recuerda, le explicó muchas historias de “yokai” – seres sobrenaturales japoneses-. Tras participar en la Segunda Guerra Mundial en la isla de Nueva Guinea y perder un brazo debido a una explosión, fue alternando varios trabajos hasta que consiguió convertirse en mangaka. En 1965 creó la que sería su primera gran obra, y por la que todos los japoneses lo recuerdan: GeGeGe no Kitaro.

La obra se podría resumir de la siguiente manera: Kitaro es un niño fantasma, el último de su especie, que se dedica a ayudar a las personas frente a los yokai (fantasmas o monstruos japoneses) más malvados. A Kitaro le acompaña un ojo con un diminuto cuerpo: su padre (sí, su padre es un ojo andante). A través de sus historias episódicas, conocemos un mundo sobrenatural no tan terrible como parece a primera vista. Y es que en general los yokai no tienen por qué ser malvados si no los molestas.

Abrazando la oscuridad

Si bien es una obra de corte infantil, con un desarrollo de personajes no excesivamente elaborado, la ambientación es realmente oscura. Entiendo que en la época los yokai eran bien conocidos del folklore japonés y no forzosamente relacionados con algo maligno, pero me imagino que el ambiente lúgubre del manga debía generar una gran impresión en los niños japoneses. Tanto, que me parece muy dificil imaginar cómo habría encajado esta obra en un contexto occidental en esa época.

De hecho, la primera historia contenida en el volumen, donde se explica de donde proviene Kitaro, es realmente dura y extraña, con imágenes bastante grotescas y en la que ya vemos que la interacción entre seres humanos y seres sobrenaturales es compleja. El tomo acaba con una historia muy entretenida y mucho más ligera (aunque haya fallecidos por doquier) que tiene mucho de simbólico: los monstruos occidentales clásicos (Drácula, el hombre lobo, Frankenstein y una bruja), se enfrentan a los yokai japoneses. Como es obvio, Kitaro será quien desequilibre la balanza a favor de los espíritus asiáticos, que expulsarán a los invasores.

Gegege no Kitaro interior

Kitaro es un homenaje a lo extraño

Por época, no se puede evitar comparar con las obras de Charles Addams, y se asemejan bastante sorprendentemente, aunque el tono de Kitaro es más extraño si cabe. Temas como la diversidad, el respeto por la naturaleza y la aceptación de lo aparentemente inexplicable inundan toda la obra. El mensaje, muy habitual en el país nipón, da relevancia e interés añadidos a una obra de estas características. El dibujo también resulta particularmente interesante, ya que Shigeru Mizuki , con mejores resultados incluso que Osamu Tezuka, experimenta con diversas técnicas diferentes que consiguen transmitir este ambiente tan particular que define a la obra.

En fin, un manga que a día de hoy, a pesar de los años, resulta entretenida sobretodo por su tono oscuro para una obra considerada infantil. La mezcla entre dibujo cartoon y unos ambientes tan detallados son un gran acierto de Shigeru Mizuki, que ha hecho crecer a Kitaro junto a muchas generaciones de japoneses.

Pros

  • Aproximación muy curiosa al mundo sobrenatural japonés para los más jóvenes
  • Su mensaje de aceptación por lo diferente y lo desconocido

Contras

  • Como toda obra de época, hay que aceptar una cierta inocencia en el argumento

Recomendado para:

Disfrutar con un terror foráneo apto para los más jóvenes.

Para leer si te ha gustado:

La familia Addams o su último producto audiovisual, Miércoles, de Netflix

Autores: Shigeru Mizuki

Editorial: Astiberri

Páginas: 224 (x tomo)

Precio: 18€

Edad recomendada: a partir de 9 años

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ciencia ficción drama europeo slice of life

Lupus, de Frederik Peeters

Portada de Lupus, de Frederik Peeters
Portada de Lupus, de Frederik Peeters

Lupus, de Frederik Peeters, es un claro ejemplo para cualquiera que desconozca el medio de que el cómic puede tratar cualquier género o temática.

Lupus podría considerarse un relato de ciencia ficción más o menos clásico a primera vista. Pero Frederik Peeters nos narra una historia de amistad, amor y básicamente sobre lo que implica hacerse mayor. La despreocupación inherente de la juventud se pierde debido a los acontecimientos que depara la vida, y de poco o nada sirve intentar madurar antes de tiempo. Es un canto a vivir el momento, desmitificar la juventud y darle un sentido a la vejez.

Un autor TOP

En mi opinión, Frederik Peeters es de lo mejorcito que hay como dibujante y narrador actualmente en la escuela europea. Tiene un estilo de dibujo reconocible y a la vez muy adaptable, así como un diseño de personajes increíble. Toca todos los palos y tiene una producción asombrosa. Una de sus primeras obras, Píldoras azules, es una maravilla autobiográfica sobre su relación sentimental con una chica seropositiva, madre de un hijo con la misma enfermedad. Un cómic – o novela gráfica, como queráis – muy recomendable para cualquiera. Reconozco que este autor para mí es una debilidad, y lo comparo mucho con Naoki Urasawa, que también destaca por lo mismo: la versatilidad de personajes y la narración.

Lupus, de Frederik Peeters, detalle interior

Aunque en el caso de Lupus, la historia se desarrolla para mi gusto de forma excesivamente lenta y pausada. El autor siempre se ha sentido cómodo con las escenas reflexivas y contemplativas, pero quizás en este caso se ha pasado de frenada. Me da la sensación de que los cuatro tomos que compone la obra originalmente se podrían haber compactado en tres. ¿Injerencias editoriales? Es posible… De todas maneras, a quien le gusten este tipo de historias, donde es casi más importante lo que ocurre en la cabeza de los personajes que lo que ocurre fuera, disfrutará con Lupus.

“Con Lupus, Frederik Peeters no sólo ha consolidado la promesa que ya había anunciado en Píldoras azules, sino que además ha despuntado como uno de esos raros autores capaces de otorgar una impronta íntima, reflexiva y sumamente personal a sus trabajos de género, trascendiéndolos y enriqueciéndolos. ”

Óscar Palmer. Revista U

En cuanto al dibujo, Peeters está a su -gran- nivel. Durante la lectura del tomo se nota una leve evolución, sobretodo en el uso del sombreado, favoreciendo el entendimiento del trazo. También es cierto que durante la historia el entorno varía mucho, aunque principalmente de un entorno salvaje a uno más aséptico. Aunque creo que es algo más general. No hay que olvidar que, con Lupus, Peeters todavía no había acabado de pulir el estilo, ya de por sí muy depurado ya desde sus inicios.

Lupus, de Frederik Peeters, segundo detalle interior

Lupus no solo sorprende con su título

Aunque el entorno de ciencia ficción puede echar para atrás a más de uno o una, éste sólo sirve de herramienta argumental para trasladar a los personajes a situaciones que al autor le interesa que vivan. La huida hacia delante, los problemas que trae la convivencia, la soledad o el envejecimiento se tratan aquí con mimo y cuidado. Todo ello a través de unos personajes que son tan humanos que casi se vuelven tan realistas como, a veces, odiosos.

Tal como lo he entendido, el mensaje principal de la obra tiene que ver con que nada es inmutable, todo cambia, aunque a la vez puede hacerse largo y tedioso. La aceptación de la madurez y la mejor perspectiva que te aporta de lo que significa estar vivo: la importancia de las cosas es relativa según el punto de vista que se utilice.

“Personajes con densidad cobran vida gracias al trazo firme y la sugerente imaginería de Peeters. Una narrativa plagada de impresionantes encuadres, pinceladas minimalistas y líricos silencios cósmicos.”

Andrés S. Braun. El País

Pros

  • El trasfondo filosófico de la obra
  • El realismo de los personajes

Contras

  • El ritmo lento de algunos tramos

Recomendado para:

Cualquier persona que disfrute de las historias intimistas, estén enmarcadas en el género que sea.

Para leer si te ha gustado:

Me recuerda bastante al tono de Her, de Spike Jonze

Autores: Frederik Peeters

Editorial: Astiberri

Páginas: 384

Precio: 25€

Edad recomendada: a partir de 14 años

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americano aventuras fantasía

Head Lopper

Portada de de cómic Head Lopper número 1
Portada de de cómic Head Lopper número 1

Head Lopper es una historia de espada y brujería brutalmente divertida. Ni más ni menos.

De monstruo a monstruo, y tiro por que me toca…

En la isla de Barra, la vida nunca ha sido fácil. En los últimos tiempos, menos todavía. Los monstruos gigantes son cada vez más numerosos y diezman la población día sí, y día también. La viuda regente y su bébé emérito no consiguen frenar las incesantes bajas del ejército real. Los ánimos están por los suelo. Como último recurso, acuden a un mercenario, reputado por su diligencia al separar las cabezas de los cuerpos de sus enemigos: Norgal, el Cortacabezas. Pero el resolutivo antihéroe, además, tiene que vigilar lo que guarda en su propia bolsa. Y es que él sabe que encierra la única cosa que le pone de los nervios (y eso que los tiene de acero): la parlanchina cabeza de la peligrosa Agatha, la famosa Bruja Azul…
La misión del Cortacabezas acabará siendo mayor de lo esperado, y sus enemigos más terribles de lo que nunca pudo imaginar.

Sí, la historia de Head Lopper no es un alarde de originalidad, pero ni falta que hace, entrega lo que promete: epicidad y diversión por partes iguales. Y funciona como el tajo de su espada.

Batalla del cómic Head Lopper número 1

¡A cortar cabezas!

Andrew MacLean empezó a auto-publicar esta historia y parece que llegó en manos adecuadas. Image, tercera editorial americana después de Marvel y DC, empezó a publicar la serie en todo el país, creando una nueva franquicia y encumbrando a Maclean como uno de los autores más originales e interesantes del momento.

El dibujo de MacLean es estilizado, esquemático, se podría decir, pero no carente de densidad y complejidad. Su uso de las masas de negro están cerca del nivel de Mike Mignola, y es un plus para la agilidad de la lectura.. El diseño de personajes quizás no sea el más original, pero bajo el filtro del dibujante, adquieren un atractivo inusitado y diferente: generan interés y queremos saber más de ellos. Su narrativa hace que sea un cómic (o novela gráfica, como queráis), muy fácil de leer y muy espectacular, usando incluso recursos inusuales que, en otra obra, resultarían extrañas pero que aquí se aceptan como naturales.

Escena de acción del cómic Head Lopper número 1

¿Estilo retro-moderno? El caso es que es molón

Es un estilo moderno que a la vez tiene un tono retro de los ochenta o los noventa, muy deudor de los videojuegos, con colores planos y bastante saturados. Quizás esté loco, pero no puedo evitar pensar en cosas como los videojuegos Golden Axe, o el medio-metraje Kung Fury o las series Stranger Things y Cobra Kay. No sé muy bien qué me hace pensar en ello, ya que no creo que fuese un estilo que existiera entonces, pero tiene algo de eso… Por cierto, muchos notan referencias también a Hora de aventuras, serie que está en mi lista de deberes… (quizás un día…).

Todo ello hace de Head Lopper una obra fresca, dinámica y divertida, para jóvenes y mayores que busquen una fantasía más directa y agresiva que Bone que hayan disfrutado con Conan, Willow (la pelicula, no la serie), The Witcher o las batallas de Juego de Tronos.

PD: Por cierto, si os preguntáis qué es un lopper, es una podadora… ¿Se puede ser más directo que llamarse “Poda Cabezas”?

Pros

  • Divertido y molón, te va a gustar mogollón (sic)

Contras

  • No hay ninguno… ¿Quizás más profundidad en la historia? Quizás entonces no sería Head Lopper y sería otra cosa.

Recomendado para:

Cualquier adolescente o adulto que quiera disfrutar con aventuras de espada y brujería que modernizan lo mejor de la fantasía clásica.

Para leer si te ha gustado:

The Witcher de Andrzej Sapkowski y su adaptación televisiva en Netflix.

Autores: Andrew MacLean

Editorial: Norma Editorial

Páginas: 280

Precio: 23€

Edad recomendada: a partir de 12 años